lundi 19 février 2018

SVERRE KNUT JOHANSEN: Distant Shore (94-14)

“This is a surprising album where the talent of Sverre Knut Johansen at the level of composition shows similarities with the great Mike Oldfield”
1 Distant Shore 9:54
2 Nippon Dawn 4:36
3 Ascension 9:28
4 Hovering in Thin Air 5:52
5 Fragments 8:46
6 Eruption 6:25
7 The Seed 6:04
8 Transition Suite 17:39
9 Distant Shore II (2014) 6:47

Sverre Knut Johansen Music (CD/DDL 75:51)
(Orchestral, cinematographic and E-Rock)
I like to review these albums which were released in the 90's. In the finest hour of an electronic rock MIDItized, of the over sampling and of the New Age which had won the first round over this EM of the Berlin School style. It's at this time that was conceived Sverre Knut Johansen's very first album! Realized and distributed by the Norwegian label Origo Sound, “Distant Shore” respected literally the new perspectives of EM with rock and pop structures sprinkled of sonic honey. Nice arrangements, nice melodies. Cinematographic visions, saxophone, guitar and beat boxes! We have all these elements here which invent a music without soul or a music as rich and stunning as the immense creative possibilities of Sverre Knut Johansen. Let's go for option 2!
And we find these ingredients in the title-track which allies good orchestral arrangements, by the presences of violins, cellos and pianos, into some phases more rock, amiability of Børge Pettersen Øverleir on guitars, and other more disturbing phases with a surprising layer of old organ as much intense as unexpected. Here, as in most of the titles which compose this album, the opening is built on luxuriant soundscapes which glitter of the meaning, otherwise of the sound visions of the Norwegian musician. The music thus flirts with these elements, structuring an evolutionary rhythm which caresses some romantic passages, and others more poignant with guitar solos raging of tears and vibratory notes from an overexcited piano. And we have to get used to these structures which move immensely in short lapses of time. They are legion on “Distant Shore”. Now, imagine the evolutionary structure of "Distant Shore" with perfumes of East and imagine Kitaro doing Pop and you have "Japanese Dawn". Built around good arrangements and a very alive and melodious panpipe, played by Roar Engelberg, the music lulls between a rock, the percussions are not unconnected to the rock appetites of the album, and an approach of Japanese romance linked by good arrangements and by some fluty harmonies which give the shiver. "Ascension Day" is a more interesting title with a music which is more in the kind of Yanni, Keys to Imagination and Out of silence era. And like the percussions, the guitar also injects a more rock dose into this music as well as all over the album by the way. Far from being usual, "Hovering in Thin Air" is a title without rhythmic life but endowed of an incredible liveliness. The saxophone of Torus Brunborg multiplies its harmonious lamentations, which melt sometimes into the layers of voices and/or synth, on a nervous texture sculpted by motionless riffs. The play of Brunborg is simply striking.
We also find his perfumes in "Fragments", where he doesn't appear in the musicians' list, another title constructed on the bases of classical music which gets transformed into a contemporary electronic ballet. The dance of swans is simply masterful. And there is a passage in this title which is filled with effects of percussions so simply overturning for that era. "Eruption" is a big nervous and noisy electronic rock which leans strongly on the orientations of Tangerine Dream from the 90's, when Linda Spa and Zlatko Perica were aboard in the Seattle years. We can say the same thing about "The Seed" and its effects of saxophone on a soft structure is more in a style of electronic ballad of another kind. It's really in the spirit of the 90's when the EM of the 70's looked for its origins through many styles. "Transition Suite" is a track in constant movement with a very cinematographic vision in a dreamy introduction which is sculpted in meditative orchestrations. These orchestral areas are going adrift with a quiet swiftness in the tone, mainly propelled by a Babylon approach from the orchestral drums. One would say a Stomu Yamashta in a music school of Vangelis. It's moreover these big bass drums which drive the music towards a more Dance style of the Disco years with nervous riffs and these layers of violin which filled the airs of secondary harmonies. The music evolves then towards a mood of electronic Flamingo with the agile fingers of Børge Pettersen Øverleir on guitar. The transition goes to a soft but lively electronic rock mode. The guitar is so much seductive and its solos lead "Transition Suite" towards an ambient phase where diverse sound elements shake up its orientation. Little by little, the music finds its balance with an electric six-strings inspired and in fire. Its solos weave sharp allegories which go in transit towards another brief structure of melody which make our soul sigh. The last transitions of "Transition Suite" go by a duel between an electric guitar with rock solos and an acoustic guitar in mode Flamingo. Another section of melody, weaved by a Chinese violin, buds and calms the pain connected to the numerous transformations of this long title which at the end goes out in a distant shore. The album was reedited in 2014 by Sverre Knut Johansen's label; Origin Music. Available as much in CD as in downloadable format, this new version includes a bonus track; "Distant Shore II (2014)" which proposes a more rock vision of the title-track.
I may not like the kind, but I have to admit that this “Distant Shore” has literally seduced me. And at many levels! Nevertheless, my first attempt has given me a rash! New Age, Easy Listening and rose water orchestrations… I have already given when Berlin School EM had totally vanished out of my landscapes in the years 80-90. Except that “Distant Shore” is more than this in the end. Beyond all this are nesting some great arrangements as well as cinematographic visions and ambiences which add constantly treasures, especially at the level of the melodies and the effects which are just in time, on a music which surprises by its multiple evolutions. And if I am surprised in 2018, imagine a little those who discovered this album in 1994!

Sylvain Lupari (February 18th, 2018) *****
You will find this album on Sverre Knut Johansen's Bandcamp
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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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J'aime bien chroniquer ces albums qui sont apparus dans les années 90. En pleine heure de gloire du rock électronique MIDItisé, du sur échantillonnage et du New Age qui avait gagné la première manche sur la MÉ de style Berlin School. C'est à cette époque que fut composé le tout premier album de Sverre Knut Johansen! Réalisé et distribué par le label Norvégien Origo Sound, “Distant Shore” respectait à la lettre les nouvelles perspectives de la MÉ avec des structures de rock et de pop saupoudrées de miel sonique. De beaux arrangements, de belles mélodies. Des visions cinématographiques, du saxophone, des guitares et des percussions en boîtes! Nous avons là ces éléments qui soit inventent une musique sans âme ou une musique aussi riche et stupéfiante que les immenses possibilités créatrices de Sverre Knut Johansen. Allons-y pour l'option 2!
Et on retrouve ces ingrédients dans la pièce-titre qui allie de bons arrangements orchestraux par les présences de violons, violoncelles et pianos à des phases plus rock, gracieuseté de Børge Pettersen Øverleir aux guitares, et d'autres phases plus troublantes avec une surprenante nappe de vieil orgue aussi intense qu'inattendue. Ici, comme dans la plupart des titres qui composent cet album, l'ouverture est construite sur de luxuriantes images cinématographiques qui resplendissent la signification, sinon l'étendue, des visions soniques du musicien Norvégien. La musique flirte donc avec ces éléments, structurant un rythme évolutif qui caresse des passages romanesques, et d'autres plus poignants avec des solos de guitare rageant de larmes et des notes vibratoires d'un piano survolté. Et il faut s'habituer à ces structures qui bougent énormément dans de courts laps de temps. Elles sont légion sur “Distant Shore”. Maintenant, imaginer la structure évolutive de "Distant Shore" dans des parfums d'Orient et imaginer Kitaro faire dans du pop et vous avez "Nippon Dawn". Construit autour de bons arrangements et une flûte de Pan très vivante et mélodieuse, jouée par Roar Engelberg, le titre tangue entre un rock, les percussions ne sont pas étrangères aux appétits rock de l'album, et une approche de romance nippone liée à de bons arrangements et des harmonies flûtées qui donnent le frisson. "Ascension" est un titre plus intéressant avec une musique qui est plus dans le genre Yanni, Keys To Imagination et Out of Silence. La guitare injecte aussi une dose plus rock à cette musique de même qu'à l'environnement de “Distant Shore”. Loin d'être banale, "Hovering in Thin Air" est un titre sans vie rythmique mais dotée d'une incroyable vivacité. Le saxophone de Tore Brunborg multiplie ses lamentations harmoniques, qui se fondent par moments dans des nappes de voix et/ou de synthé, sur une texture nerveuse sculptée par des riffs stationnaires. Le jeu de Brunborg est tout simplement saisissant.
On retrouve ses parfums dans "Fragments", où il n'apparaît tout simplement pas dans la liste de musiciens, un autre titre construit sur des bases de musique classique qui se transforme en un ballet électronique contemporain. La danse des cygnes est tout simplement magistrale. Et il y a un passage dans ce titre qui est rempli d'effets de percussions tout simplement renversant pour l'époque. "Eruption" est un gros rock électronique nerveux et bruyant qui s'appuie fortement sur les orientations du Dream dans les années 90, lorsque Linda Spa et Zlatko Perica étaient à bord des années Seattle. On peut dire la même chose de "The Seed" et ses effets de saxophone sur une structure douce est plus dans le style ballade électronique non conventionnelle. C'est vraiment dans l'esprit des années 90 où la MÉ des années 70 recherchait ses origines à travers moult styles. "Transition Suite" est un titre en constant mouvement avec une vision très cinématographique dans une introduction rêveuse qui est sculptée dans des orchestrations méditatives. Ces étendues orchestrales dérivent avec une tranquille vélocité dans le ton, principalement propulsée par une approche babylonnesque des grosses caisses. On dirait du Stomu Yamashta dans une école de musique de Vangelis. Ce sont d'ailleurs ces grosses caisses qui conduisent la musique vers un style plus Dance des années Disco avec des riffs nerveux et ces nappes de violon qui remplissaient les airs d'harmonies secondaires. La musique évolue ensuite vers une ambiance de Flamingo électronique avec les doigts agiles de Børge Pettersen Øverleir à la guitare. La transition passe en mode rock électronique mou mais entraînant. La guitare est très attirante et ses solos conduisent "Transition Suite" vers une phase ambiante où divers éléments sonores bousculent son orientation. Peu à peu, la musique retrouve son équilibre avec une six-cordes électrique inspirée et enflammée. Ses solos tissent des allégories acuités qui transitent vers une autre brève structure de mélodie à faire soupirer l'âme. Les dernières transitions de "Transition Suite" passent par un duel entre une guitare électrique aux solos rock et une guitare acoustique en mode Flamingo. Une autre portion de mélodie tissée par un violon chinois bourgeonne et apaise la douleur liée aux nombreuse métamorphoses de ce long titre qui à la fin s'éteint dans une rive lointaine. L'album fut réédité en 2014 par le label de Sverre Knut Johansen; Origin Music. Disponible autant en CD qu'en format téléchargeable, cette nouvelle version comprend un titre additionnel; "Distant Shore II (2014)" qui propose une vision plus rock de la pièce-titre.
J'ai beau ne pas aimer le genre, mais je dois admettre que ce “Distant Shore” m'a littéralement séduit. Et à bien des niveaux! Pourtant, ma première tentative m'a donné des boutons! Du New Age, du Easy Listening et des orchestrations à l'eau-de-rose…J'ai déjà donné lorsque la MÉ de style Berlin School s'est effacée de mes paysages dans les années 80-90. Sauf que “Distant Shore” est plus que cela au final. Au-delà de tout cela nichent des arrangements ainsi que des visions cinématographiques et d'ambiances qui ajoutent constamment des trésors, surtout au niveau des mélodies et des effets qui sont juste à point, sur une musique qui surprend par ses multiples évolutions. Et si je suis étonné en 2018. Imaginez un peu ceux qui ont découvert cet album en 1994!

Sylvain Lupari 18/02/2018

samedi 17 février 2018

ALBA ECSTASY: Bedtime Stories (2018)

It's not with Bedtime Stories that Alba Ecstasy stumbles. Even with his massive musical productions, he is still good and enthralling while exploring other sources of beats and ambiences
1 Tension 10:43
2 Emperor's Decadance 6:14
3 Fluid Air 12:29
4 Ammonium 8:19
5 Traum Gate 7:29
6 Dream Incubation 6:40

Alba Ecstasy Music (DDL 51:07)
(Roumanian School)
Seriously! “Bedtime Stories”? Certainly that the introduction of "Tension" can help to fall asleep. The orchestral layers float like elements waltzing in the oblivion. Soft, but hum…!"Tension" wakes up with an ambient but noisy rhythm. Vibratory pulsations of bass sequences give good knocks which stimulate a hive of sequences. A little bit shy at the beginning, the sound bees attack more and more the pulsatory rhythm which on the other hand deploys an attractive armada of percussive effects. One doesn't know any more where to give of the ear so much there are elements which are also effective in a pair of earphones as outdoors out of our loudspeakers. The effects of rattling percussions abound in a vertical structure of rhythm which seems to be the skeletal structure here and which is of use as assizes to the vibrational rhythms from this last opus from Alba Ecstasy. A very strong title which flirts a little with good contemporary Klaus Schulze and which is already in my iPod. As well as on the playlist of my Cambridge CXN! And we don't find either this sleep with the even more fed and noisy rhythm of "Emperor's Decadance" which goes in a spirit of Techno for Zombies marinated in THC. The flow of the pulsations is more thriving with sequences which swirl such as sparklings of firebrand, which seem alive to us, and in the shadow of good synth solos. “Bedtime Stories” is the first album of the very prolific Romanian musician in 2018. And this year, I am going to try to review all of them. Him who produced 17 in 2017. A challenge which looks pleasant with this album which is very far from being a musical bedside book to accompany us towards the arms of Morpheus. Quite the opposite! We have to think of the title as in the vastness of its antithesis. The pulsatory vibrations are also very popular here.
And they feed the calm rhythm of "Fluid Air" which takes advantage of this rhythmic bed to dilute its other sequences, its effects and its chords in a clashing but not too chaotic mosaic. The background painting ends by draw in the reserves of "Tension" to offer a second part a little bit coherent and more attractive for the sense of hearing. "Ammonium" is the 1st rest area, the 2nd being "Dream Incubation", of “Bedtime Stories”. The music derives quietly in the borders of cosmos, like a ghost crew in a ghost shuttle. The vibratory approach is always appropriate with these hummings of the shuttle's reactors and thus almost puts to sleep this very nice orchestral drift. A good moment of serenity which goes up right to the door of "Traum Gate", an energetic track of which the fat and juicy sequences of its opening are dancing like fireflies in a night agitated of its shooting stars. The rhythm wins in intensity, reaching its pulsatory movements which anchor the rhythms of this album, while keeping this melodic space to make us hear here an Elvish voice which competes quite well with the numerous solos and laments of the synth. The imprint of Indra is strongly present on this evolving title where it's quite possible to fall asleep so much the feminine voice is restful and pleasant to hear. "Dream Incubation" drinks moreover of this serenity to offer a music very near the depths of Pink Floyd's Wish You Were Here. Even the sound effects are told in another dialogue while the synth is cooing with a tone which blows perfumes of David Wright and Vangelis.
Divided well between its elements of rhythms, slightly too similar on the other hand, and nice phases of ambiences, which too aren't revolutionize the genre but which are always pleasant to listen to, “Bedtime Stories” isn't yet this album where Alba Ecstasy will stumble because of his so huge artistic fertility. Each track here abounds of good moments and none of them are too long to reach a saturation point while the listening. I won't say that it's brilliant but it's rather good. And it's always available on download on Alba Ecstasy's Bandcamp page. Thus, no inner notes and no artworks either!
Sylvain Lupari (February 16th, 2018) ***¾**
You will find this album on Alba Ecstasy's Bandcamp 

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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Sérieusement! “Bedtime Stories”? Certes que l'introduction de "Tension" peut aider à trouver le sommeil. Les nappes orchestrales flottent comme des éléments valsant dans le néant. Doux, mais attention! "Tension" s'éveille avec un rythme ambiant mais bruyant. Des pulsations vibratoires de basses séquences donnent des coups qui stimulent une ruche de séquences. Un peu timides au début, les abeilles soniques attaquent de plus en plus le rythme pulsatoire qui en revanche déploie un séduisant armada d'effets percussifs. On ne sait plus où donner de l'oreille tant il y a des éléments qui sont aussi efficaces dans une paire d'écouteurs qu'à l'air libre de nos haut-parleurs. Les effets de percussions crotales abondent dans une structure de rythme verticale qui semble avoir la cote et qui sert d'assises aux rythmes vibrationnels de ce dernier opus d'Alba Ecstasy. Un très solide titre qui flirte un peu avec du bon Klaus Schulze contemporain. Je l'ai mis dans mon iPod! Et on ne trouve pas non plus ce sommeil avec le rythme encore plus nourri et bruyant de "Emperor's Decadance" qui fait dans l'esprit d'un Techno pour Zombies marinés au THC. Le débit des pulsations est plus vivant avec des séquences qui tournoient comme des tisons qui nous semble vivants et dans l'ombre de beaux solos de synthé. “Bedtime Stories” est le premier album du très prolifique musicien Roumain en 2018. Et cette année, je vais tenter de les chroniquer tous. Lui qui en a produit 17 en 2017. Un défi qui s'annonce agréable avec cet album qui est très loin d'être un livre de chevet musical pour nous accompagner dans les bras de Morphée. Bien au contraire! Il faut prendre le titre “Bedtime Stories” dans l'immensité de son contresens. Les vibrations pulsatoires ont aussi la cote ici.
Et elles nourrissent le rythme placide de "Fluid Air" qui profite de ce lit rythmique pour diluer ses autres séquences, ses effets et ses accords dans une mosaïque discordante mais pas trop chaotique. La toile de fond fini par puiser dans les réserves de "Tension" afin d'offrir une seconde partie un peu cohérente et plus attrayante pour l'ouïe. "Ammonium" est la 1ière phase de repos, la 2ième étant "Dream Incubation". Le titre offre une musique qui dérive tranquillement dans les confins du cosmos, comme une équipage fantôme. L'approche vibratoire est toujours de mise avec ces bourdonnements des réacteurs des moteurs et endort quasiment cette très belle dérive orchestrale. Un beau moment de sérénité qui se porte jusqu'à la porte de "Traum Gate", un titre vivant et dont les grosses séquences d'ouverture dansent comme des lucioles dans une nuit agitée de ses étoiles filantes. Le rythme gagne en intensité, atteignant les mouvements pulsatoires qui ancrent les rythmes de cet album, tout en se gardant un espace mélodique afin de nous faire entendre une voix Elfique qui concours assez bien avec les nombreux solos et complaintes du synthé. L'empreinte d'Indra est fortement présente sur ce titre à caractère évolutif où il est tout à fait probable de s'y endormir tellement la voix de femme est reposante et agréable à entendre. "Dream Incubation" s'abreuve d’ailleurs de cette sérénité afin d'offrir une musique très près des entrailles de Wish you Were Here de Pink Floyd. Même les effets sonores sont contés dans un autre dialogue alors que le synthé roucoule avec une tonalité qui souffle des parfums de David Wright et de Vangelis.
Bien divisé entre ses éléments de rythmes, un peu trop similaires par contre, et de belles phases d'ambiances, qui ne révolutionnent pas le genre mais qui sont toujours agréable à écouter, “Bedtime Stories” n'est toujours pas cet album où Alba Ecstasy trébuche à cause de sa trop grande fécondité artistique. Chaque titre regorge de bons moments et les titres sont trop courts pour atteindre un point de saturation pour l'écoute. Ce n'est pas génial mais c'est assez bon. Et c’est toujours disponible en format téléchargement sur la page Bandcamp d'Alba Ecstasy.

Sylvain Lupari 16/02/2018 

jeudi 15 février 2018

ACHELOO: Ethereal (2017)

“One has to listen to Ethereal with the ears of the heart, so that it could clean our soul of old tears which always refuse to fall”
1 The Beginning of Chronos 8:12
2 Ethereal 8:22
3 Hemera's Revelation 7:45
4 Distant Resonance 7:05
5 Flash of Desires 13:03
6 Seductive Dreams 4:31
7 Adagio for Muses 5:40

Acheloo Music (DDL 54:40)
(Tribal Ambient Music)
Acheloo! I had already crossed this name to have review one of his albums, Dream, in autumn 2013. I had found the music pretty decent and good for an album of esoteric music strongly soaked by a New Age. In fact, “Ethereal” is a first album since Dream. This is more than 4 years of silence! And it's also a beautiful album which throws me back in the very lyrical moods of Bayou Moon, for its dark and folk side, an album from Tom Newman which was a kind of springboard towards the paths of a more progressive New Age in the 80's.
"The Beginning of Chronos" starts Acheloo's last opus with a fascinating ode of Amerindian spirituality. The rhythm is morphic and delicately pulsing. Layers of gray mist, and others more in mode decor for ambient music, as well as notes from a romantic guitar decorate a first phase which is forged in the dream. Knockings and felted explosions add a bit of intensity, whilst the guitar eventually puts down some nice little solos as melodious as ethereal. Jingles of cymbals, a shadow of bass and an amnesic choir also accompany this spiritual procession which ends with a higher degree of percussions and explosives effects, adding some more intensity to this first title of “Ethereal”. The title-track follows with a Carlo Luzi's clearly more pensive and more melancholic vision. His guitar stretches its chords of an obvious sadness. A nice movement of sequences gets in and spreads its tinkled chords which turn as a carousel lost in the mist. Finally, a bass line adds a touch a little more in the kind of sober Jazz for an evening of tears, driving "Ethereal" towards one finale quite smoothly. And the more we move forward, and the more we open our eyebaths, and the more we discover a beautiful album built around a fragile intensity. "Hemera's Revelation" is another title with a flavor so tribal ambient as in "The Beginning of Chronos" On the other hand, the rhythmic support is more present and more accentuated with good reverberating sequences and good strikes of percussions scattered, but in mode tribal rock. The guitar is very beautiful and throws fragrances of mysticism which would go with delight into Robert Rich's universe. A reference point to situated a little bit better this album.
"Distant Resonance" begins with lapping of a water darkened by the reflections of clouds. Breaths of silent voices take care of the mysterious side of the introduction, whereas the guitar roams with pensive solos. An iridescent wave falls over these ambiences, bringing an electronic life which expresses itself by sibylline layers. These layers are floating like a backwash and finally like a light whirlwind of waves on a rhythm which wins in intensity but which always stays as a dance for two dead lovers. Let's imagine a goddess who dances with winds and with rays from a sun of spring and we have the elements of "Flash of Desires". The movement is slow and the sound décor is very well detailed with effects which dance with elegance between the tears of a more incisive guitar, as well as the nostalgic notes of an evasive piano and a nice flute as so charming as unexpected. A very good title which fills its 13 minutes without effects of length. "Seductive Dreams" is a title without history with an odd, and rather annoying, finale where we have the feeling to listen to an old vinyl LP which jumps constantly. An ambitious prelude to the splendid "Adagio for Muses"! Acheloo offers us here a very beautiful title with a guitar which cries through a superb and a slow circular movement of a melody sculpted in arpeggios which fall and jump up like tears of pearls. This is simply too beautiful and it's a nice music which ends an album which gains to be discovered and devoured with the ears of the heart. Should it be only for this side so sensitive and melancholic which could certainly clean our soul of old tears which always refuse to fall!
Sylvain Lupari (February 15th, 2018) ***¾**

You will find this album on Acheloo's Bandcamp page
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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Acheloo! J'avais déjà croisé ce nom pour avoir chroniquer un de ses albums, Dream, à l'automne 2013. J'avais trouvé ça bien et bon pour un album de musique ésotérique fortement imbibé d'une essence New Age. “Ethereal” est un premier album depuis Dream justement. C'est plus de 4 ans de silence! C'est aussi un bel album qui me projette dans les ambiances très lyriques de Bayou Moon, pour le côté sombre et folk, un album de Tom Newman qui fut un tremplin vers un New Age plus progressif dans les années 80.
"The Beginning of Chronos" débute ce dernier opus d'Acheloo avec une fascinante ode de spiritualité amérindienne. Le rythme est morphique et délicatement pulsatif. Des nappes de brume grises, et d'autres plus en mode décoration pour musique ambiante, ainsi que des accords d'une guitare romantique ornent une première phase qui est forgée dans le rêve. Des cognements et des explosions feutrées ajoutent un brin d'intensité, alors que la guitare finie par déposer de beaux petits solos autant mélodieux qu'éthérés. Des cliquetis de cymbales, une ombre de basse et une chorale amnésique accompagnent aussi cette procession spirituelle qui se termine avec une surenchère d'effets percussions et explosifs, ajoutant encore plus d'intensité à ce premier titre de “Ethereal”. La pièce-titre suit avec une vision nettement plus pensive et mélancolique de Carlo Luzi. Sa guitare étire des notes d'une tristesse évidente. Un beau mouvement de séquences s'invite et déploie ses notes carillonnées qui tournent comme un carrousel perdu dans la brume. Finalement, une ligne de basse ajoute une touche un peu plus dans le genre Jazz sobre pour une soirée de larmes, conduisant "Ethereal" vers une finale toute en douceur. Et plus on avance, et plus on ouvre nos œillères, et plus nous découvrons un bel album construit autour d'une fragile intensité. "Hemera's Revelation" est un autre titre à saveur aussi tribal ambient que "The Beginning of Chronos". Par contre, le support rythmique est plus présent et plus accentué avec de bonnes séquences réverbérantes et de bonnes frappes de percussions éparses, mais en mode tribal rock. La guitare est très belle et lance des parfums de mysticisme qui irait à ravir bien avec l'univers de Robert Rich. Un point de référence afin de mieux situer cet album. 
"Distant Resonance" débute avec des clapotis d'une eau assombrie par des reflets de nuages. Des souffles de voix silencieuses s'occupent du côté mystérieux de l'introduction, tandis que la guitare erre avec des solos pensifs. Une onde iridescente tombe sur ces ambiances, amenant une vie électronique qui s'exprime par des nappes sibyllines. Ces nappes flottent comme un ressac et finalement en un léger tourbillon de vagues sur un rythme qui gagne en intensité mais qui reste toujours comme une danse pour deux amants sans vie. Imaginons une déesse danser avec les vents et les rayons d'un soleil printanier et nous avons les éléments de   Le mouvement est lent et le décor sonique très bien détaillé avec des effets qui dansent avec élégance entre les larmes d'une guitare plus incisive, ainsi que les accords nostalgiques d'un piano évasif et une belle flûte aussi charmante qu'inattendue. Un très bon titre qui remplit ses 13 minutes sans effets de longueur. "Seductive Dreams" est un titre sans histoire avec une drôle, et plutôt agaçante, finale où on a l'impression d'écouter un vieux 33 tours qui saute continuellement. Un prélude ambitieux pour le splendide "Adagio for Muses". Acheloo nous offre ici un très beau titre avec une guitare qui pleure à travers un superbe et lent mouvement circulaire d'une mélodie sculptée dans des arpèges qui tombent et bondissent comme des larmes de perles. C'est simplement trop beau et c'est une belle musique qui termine un album qui gagne à être découvert et dévoré avec les oreilles du cœur. Ne serait-ce que pour ce côté si sensible et mélancolique qui pourrait certainement nettoyer notre âme de vieilles larmes qui refusent toujours de tomber!

Sylvain Lupari 15/02/2018

mercredi 14 février 2018

JESPER SORENSEN: Outer Limits (2018)

“Like Dark Star, Outer Limits is a well made album with just with it needs to please those who enjoy an easy going EM with good harmonious lines on soft beats”
1 Gamma Leonis 6:23
2 A New World 5:22
3 The Halo 11:00
4 Beta Tauri 7:35
5 Althena 7:28
6 The Long Run 8:46
7 Transmission 5:46
8 Outer Limits 6:37
9 Sector 20 7:21
10 Exosphere 9:34

Jesper Sorensen Music (DDL 76:13)
(Melodious and catchy EM)
      **Chronique en français plus bas**

I had liked quite well my discovery of Jesper Sorensen's universe with his last album Dark Star. Released just one day before, it's completely justified to say that “Outer Limits” has traced the sonic furrows of Dark Star. More in the Berliner genre, we find very IC essences here, than this last album, “Outer Limits” proposes 10 titles gathered around 76 minutes of an EM carefully structured on the jumping up style, a kind of cosmic Hip-hop, which has given this second run-up to the Berlin School at the turning of the 80's.
"Gamma Leonis" begins with an astral dance of arpeggios and sequences which tinkle in the nuances of a layer of absent voices. Some 45 seconds farther, hammering of bass drums awaken these ambiences and divert them towards an electronic rock to which we bind a soupçon of Techno because of the robotic percussions. But the rhythm stays rather in a rock cocoon with an ascending and spheroidal structure attached by a meshing of sequences lines and of which some jolts flirt with a stroboscopic vision. The melodious approach is shared between a creative keyboard, synth harmonies and layers of ethereal voices which sculpt an approach of New Age melody. One likes it? "Althena" espouses a bit the same model. The rhythm flaccid and hopping. Effects of cosmic games awaken our attention and the harmonies fertilize moments of New Age's ecstasy. "A New World" proposes a heavy and slow rhythm with sober percussions and sequences which cackle under the caresses of really good synth tunes. These harmonies, which sometimes stretch under the form of solos, offer two very different tints and are at the heart of this simple but really effective title for a dance on sleeping drugs. This style of sober rock very motorik is popular in this album. It serves very well the purposes of a synth in mode charming and harmonious. After an interesting ambiospherical introduction, "The Halo" structures an uncertain rhythm. A hesitating rhythm with very fat chords which seem to open a cadence of cosmic Cha-Cha. The harmonious elements abound around these 11 minutes with effects of guitars with charms of old westerns which roam in a sibylline mist. The rhythmic décor is not outdone by the fall of percussions, just before the 5 minutes, which make heavy the always ambivalent rhythm and nevertheless well decorated with sequences which let escape some fine stroboscopic strands. To this time, we swim in an album easy to tame.
And these big juicy chords open the borders of "Beta Tauri" which shudders on nervous percussions and on a bed of sequences which skip on the spot. Always active, the synth throws harmonious solos whereas the sequences bubble at some spots. The music, and especially the rhythm, suggests me to listen to Double Fantasy and the album Universal Ave., released on IC in 1987. No matter the structures, Jesper Sorensen waters them abundantly by good synth solos that he maintains in a high level of creativity and of complicity throughout “Outer Limits”. "The Long Run" is the liveliest title of this album. The percussions and the sequences unite their strengths in order to create a structure a bit syncopated which merges very well with the energetic electronic rock approach of "The Long Run". Except for the effects of voices, of which one of an Elvish nymphet, and electronic effects preppy, the synth draws good evasive solos and harmonious passages which are noteworthy. "Transmission" is a little bit in the same style than "A New World". The harmonious movement is more spheroidal with an effect as so mysterious than hypnotic in its strange intergalactic dialogue. The title-track also favors a heavy and slow structure with muffled pulsations and percussions adorned of nice percussive effects. The rhythm here is more present than the harmonious approach which is more discreet. "Sector 20" is more in the synth-pop style of the New Wave years with flickering sequences as well as heavy and very sparkling percussions. An effect of vocoder gives a very 80's style which corresponds moreover quite well with the orientations of the music. A beautiful lunar melody was only missing in order to achieve the harmonious course of this 9th album from the English musician. And it thus goes to "Exosphere". This track ends “Outer Limits” with a good electronic ballad where the arpeggios evolve in a minimalist pattern, so giving the chance to the synth to establish a last nice connection with our neurons. It's very nice and well written. And it's just like this Jesper Sorensen album who is satisfied to enrich our neurons with a well done EM and without too much flamboyance but skillfully well served.
Sylvain Lupari (February 14th, 2018) ***½
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You will find this album on Jesper Sorensen Bandcamp
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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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J'avais bien apprécié ma découverte de l'univers Jesper Sorensen avec son dernier album Dark Star. Paru tout juste une journée avant, il est tout à fait justifié de dire que “Outer Limits” a tracé les sillons soniques de Dark Star. Plus dans le genre Berliner, on y trouve des essences très IC, que ce dernier album, “Outer Limits” propose 10 titres rassemblés autour de 76 minutes d'une MÉ soigneusement structurée sur le style bondissant, un genre de Hip-Hop cosmique, qui a donné ce second élan à la Berlin School au tournant des années 80.
"Gamma Leonis" débute avec une danse astrale d'arpèges et de séquences qui tintent dans les nuances d'une nappe de voix absente. Quelques 45 secondes plus loin, des martèlements de caisson bas éveille ces ambiances et les détournent vers un rock électronique dont on lie un soupçon technoïde de par les percussions robotiques. Mais le rythme reste plutôt dans un cocon rock avec une structure ascendante et sphéroïdale attachée par un maillage de lignes de séquences et dont quelques soubresauts flirtent avec une vision stroboscopique. L'approche mélodieuse est partagée entre un clavier créatif, des harmonies synthétisées et des nappes de voix éthérées qui sculptent une approche de mélodie New Age. On aime? "Althena" épouse un peu le même modèle. Le rythme mollasse et sautillant. Des effets de jeux cosmiques éveillent notre attention et les harmonies fécondent des moments d'extase New Age. "A New World" propose un rythme lourd et lent avec des percussions sobres et des séquences qui caquètent sous les caresses de bons refrains synthétisés. Ces harmonies, qui parfois s'étirent sous formes de solos, offrent deux teintes bien distinctes et sont au cœur de ce titre simple mais drôlement efficace pour une danse sous somnifères. Ce style de sobre rock très motorik a la cote dans cet album. Il sert plutôt bien de base à un synthé en mode charme harmonique. Après une intéressante introduction ambiosphérique, "The Halo" structure un rythme incertain. Un rythme hésitant avec des accords bien gras qui semblent se destiner à ouvrir une cadence de Cha-Cha cosmique. Les éléments harmoniques foisonnent autour de ces 11 minutes avec des effets de guitares aux charmes de vieux westerns qui errent dans une brume sibylline. Le décor rythmique n'est pas en reste avec la tombée des percussions, juste avant les 5 minutes, qui alourdissent le rythme toujours ambivalent et pourtant bien décoré de séquences qui laissent échapper de fins filaments stroboscopiques. À date, nous nageons dans un album facile à apprivoiser.
Et ces gros accords juteux ouvrent les frontières de "Beta Tauri" qui tressaille sur des percussions nerveuses et un lit de séquences qui sautillent sur place. Toujours actif, le synthé lance des solos harmoniques alors que des séquences bouillonnent par endroits. La musique, et surtout le rythme, me propose d'écouter du Double Fantasy ‎et l'album Universal Ave., paru sur IC en 1987. Peu importe les structures, Jesper Sorensen les arrose copieusement de bons solos de synthé qu’il maintient dans un haut niveau de créativité et de complicité tout au long de “Outer Limits”."The Long Run" reste le titre le plus vivant, le plus entraînant de cet album. Percussions et séquences unissent leurs forces afin de créer une structure un brin syncopée qui fusionne très bien avec l'approche rock électronique énergique de "The Long Run". Hormis des effets de voix, dont une de nymphette Elfique, et des effets électroniques bon chic bon genre, le synthé trace de bons solos évasifs et des passages harmonieux dignes de mention. "Transmission" est un peu dans le même genre que "A New World". Le mouvement harmonique est plus sphéroïdale avec un effet aussi mystérieux qu'hypnotique dans son étrange dialogue intergalactique. La pièce-titre privilégie aussi une structure lourde et lente avec des pulsations sourdes et des percussions enjolivées d'effets percussifs. Le rythme ici est plus présent que l'approche harmonique qui est plus discrète. "Sector 20" est plus dans le synth-pop des années New Wave avec des séquences papillonnantes ainsi que des percussions lourdes et bien entraînantes. Un effet de vocodeur donne un style très années 80 qui correspond d'ailleurs assez bien avec les orientations de la musique. Il ne manquait seulement qu'une belle mélodie afin de parfaire le parcours harmonique de ce 9ième album du musicien Anglais. Et cela revient donc à "Exosphere" qui clôture “Outer Limits” avec une belle ballade électronique où les arpèges évoluent dans un pattern minimaliste, donnant ainsi la chance au synthé d'établir une dernière belle connexion avec nos neurones. C'est beau et bien composé. Et c'est à l'image de cet album de Jesper Sorensen qui se contente juste d'enrichir notre cerveau avec du bien fait, sans trop de prétention mais habilement bien servi.

Sylvain Lupari 13/02/2018

lundi 12 février 2018

ALIEN NATURE: Heisenberg 2 (2015-2017)


“More dominant in wild rhythms than on the 1st volume, this Heisenberg 2 shows that a thin line between E-rock, ambient and Dance styles is as relevant than very diversifying”
1 Part 1 8:39
2 Part 2 7:11
3 Part 3 13:21
4 Part 4 10:21
5 Part 5 13:33
6 Part 6 19:28

Alien Nature Music (DDL 72:35)
(E-Rock, ambient & dance)
  
**Chronique en français plus bas**

Other title from the Alien Nature catalog that Wolfgang Barkowski has put on his Bandcamp page recently, either in June, 2017, “Heisenberg 2” was made in 2015, 2 years after Heisenberg 1. And this time there is no confusion as it's written clearly; the music of both albums is dedicated to the work of the German scientist, Werner Heisenberg. I don't really know what quantum mechanics is made of. But if we trust these 2 albums of Alien Nature, it must be rocking hard and loud over there!
Each title of both volumes is laconically entitled Part. So, "Part 1" opens the album with cracklings as much percussive as radioactive. A line of bass pulsations draws then a hesitating approach, a stealthily approach. Oscillations arrive by sequences and create a jumping rhythm which hangs onto a deficient cohesion. A melodic figure in a tint half fluty and semi organic gets free from this introduction. It describes wide oscillating circles which go and come, forming a structure of harmonious rhythm a bit spheroidal. This minimalism and rather hypnotic movement serves the sonic cause of "Part 1" to which another line of sequences with sizzling roundness gets grafted, while the melody becomes more and more domineering of our state of hypnosis. A thick cloud of sequences comes then and flickers like a troop of fireflies of which the aerial leaps get more and more intense. And gradually, this first music piece of “Heisenberg 2” adorns itself with the most beautiful electronic assets. Like these synth solos which pop out near the 4th minute gate and draw spins with nonchalant amplitudes. And then the percussions get in. Knocking over the race of the static rhythm, they knock with fury and heaviness. They even raise a radioactive anger which make scold these horizontal lines and give on the other hand more vigor to the synth which distributes its numerous solos with a beautiful roundness in its electronic songs. This melody, eater of addicting neurons, derives towards a phase of rhythm clearly more committed with "Part 2". The approach of Wolfgang Barkowski is concentrated on a Techno tinted with a vision of synth-pop a la Ultravox at the level of the arrangements. There may have a short ambiosonic phase there, that it doesn't take anything out of the ardor of "Part 2" which dresses of more rock electronic outfit thereafter.
"Part 3" follows with a delicious electronic introduction and with arpeggios which slightly fly such as flakes of prisms in circular winds. Very well plump and very juicy sequences invite each other at this tonal choreography, bringing a soupçon of Jarre which immediately is ejected by a flight of percussions as wild than unexpected. A bass line espouses the bludgeoning of the percussions, structuring a rhythm which lulls between the rock and the progressive and of which the electronic envelope remains from by the very good synth solos, those lines of decorative mists and a little ambiospherical passage soft and ethereal which gives so a little of respite to the beatbox. Because it is going to serve in "Part 4", a furious Dance and Trance track stocked of percussive and sonic elements. Alien Nature gets back to the lands of an EM closer of the Berliner model with "Part 5" which is born in meditative vibes with two crisscrossed lines and of which the sound contrasts weave a large iridescent layer. This beautiful small sibylline landscape is disturbed by kicks and rodeos of sequences and by rebel arpeggios. The percussions redirect this motionless rhythm towards another solid rock lively, loaded of good solos and of layers of voices which hum beyond the borders of "Part 6". This last title of “Heisenberg 2” is also the longest. Divided in 3 movements, it begins with a jerky rhythmic prose which dissolves a rather New Age meditative opening. This rhythm starts with a horde of sequences which skip in a harmonious way with a percussive décor which is of the most seducing. Orchestral layers draw a sonic ceiling which makes spattering a very Jean-Michel Jarre approach. This approach remains anchored even in this more ambiospherical passage which separates the cosmic rock style of the first movement from the last one which is more in a style of Dance & Trance, but less savage than on "Part 2". A style that Alien Nature likes to bite from time to time always while keeping the main attributes of a progressive EM of the Berlin School.
Heisenberg 2” is another solid opus from Alien Nature whose music holds us constantly on our toes. Clearly more energetic, because of the Dance & Trance segments, than Heisenberg 1, the music breathes again and again of this avant-gardist vision of the German musician who always tries to join his phases of harmonies to a creative and charming tonal dialect. Puzzling at moments but very good in the end!

Sylvain Lupari (February 2nd, 2018) *****
You will find this album on Alien Nature Bandcamp
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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Autre titre du catalogue d'Alien Nature que Wolfgang Barkowski a mis sur sa page Bandcamp récemment, soit en Juin 2017, “Heisenberg 2” fut réalisé en 2015, soit 2 ans après Heisenberg 1. Et cette fois-ci c'est clair et bien écrit; la musique des 2 albums est dédiée à l'œuvre du scientifique Allemand, Werner Heisenberg. Je ne sais pas vraiment ce qui se passe derrière la mécanique quantique. Mais si l'on se fie à ces 2 albums d'Alien Nature, ça doit brasser quelque chose de rare!
Chaque titre des deux volumes est laconiquement intitulé Part. Ainsi, "Part 1" ouvre l'album avec des grésillements autant percussifs que radioactifs. Une ligne de basses pulsations trace ensuite une approche hésitante, une approche de pas-de-loup. Des oscillations arrivent par séquences et créent un rythme sautillant qui s'accroche à une cohésion déficiente. Il se dégage de cette introduction une figure mélodique en teinte demi flutée et semi organique. Il décrit de larges cercles oscillateurs qui vont et viennent, formant une structure de rythme harmonique un brin sphéroïdal. Ce mouvement minimalisme et assez hypnotique sert la cause sonore de "Part 1" où se greffe une autre ligne de séquences aux rondeurs crépitantes, alors que la mélodie devient de plus en plus dominatrice de notre état d'hypnose. Vient ensuite une nuée de séquences qui papillonnent comme une horde de lucioles dont les gambades aériennes deviennent de plus en plus intenses. Et graduellement, ce premier morceau de “Heisenberg 2” se pare des plus beaux atouts électroniques. Comme ces solos de synthé qui arrivent aux portes des 4 minutes et dessinent des vrilles aux amplitudes nonchalantes. Et puis les percussions arrivent. Bouleversant la course du rythme statique, elles frappent avec rage et lourdeur. Elles soulèvent même une colère radioactive qui fait gronder ces lignes horizontales et donnent par ricochet plus de vigueur au synthé qui distribue ses nombreux solos avec une belle sinuosité dans ses chants électroniques. Cette mélodie mangeuse de neurones addictives dérive vers une phase de rythme nettement plus engagée avec "Part 2". L'approche de Wolfgang Barkowski est concentrée sur du Techno teintée d'une vision de synth-pop à la Ultravox au niveau des arrangements. Il y a beau avoir une courte phase ambiosonique que ça n'enlève rien à la fougue de "Part 2" qui revêt des habits plus rock électronique par la suite.
"Part 3" suit avec une délicieuse introduction électronique et des arpèges qui volètent comme des flocons de prismes dans des vents circulaires. Des séquences bien dodues et bien juteuses s'invitent à cette chorégraphie tonale, amenant un soupçon de Jarre qui se fait aussitôt éjecter par une volée de percussions aussi sauvages qu'inattendues. Une ligne de basse épouse le matraquage des percussions, structurant un rythme qui tangue entre le rock et le progressif et dont l'enveloppe électronique subsiste par les très bons solos de synthé, des lignes de brumes ornementales et un petit passage ambiosphérique doux et éthéré qui donne ainsi un peu de répit à la boîte de rythmes électroniques. Puisqu'elle va servir dans "Part 4", un furieux Dance & Trance garni d'éléments percussifs et soniques. Alien Nature revient sur les terres d'une MÉ plus près du modèle Berliner avec "Part 5" qui nait dans des ambiances méditatives avec deux lignes entrecroisées et dont les contrastes sonores tissent une large nappe iridescente. Ce beau petit paysage sibyllin est dérangé par des ruades et des rodéos de séquences et d'arpèges rebelles. Les percussions redirigent ce rythme stationnaire vers un autre solide rock entraînant et garni de bons solos et de nappes de voix qui fredonnent au-delà des frontières de "Part 6". Ce dernier titre de “Heisenberg 2” est aussi le plus long. Divisé en 3 mouvements, il débute avec une prose rythmique saccadée qui dissout une ouverture méditative assez New Age. Ce rythme démarre avec une horde de séquences qui sautillent de façon harmonique avec une décoration percussive des plus séduisante. Des nappes orchestrales dessinent un plafond sonique qui fait rejaillir une approche très Jean-Michel Jarre. Cette approche reste ancrée même dans ce passage plus ambiosphérique qui sépare le style rock cosmique de la 1ière partie du genre Dance & Trance de la 3ième partie qu'Alien Nature aime bien mordre tout en conservant les principaux attributs de la MÉ progressive de la Berlin School.
Heisenberg 2” est un autre solide opus d'Alien Nature dont la musique nous tient constamment sur le qui-vive. Nettement plus animée par une approche Dance & Trance que Heisenberg 1, la musique respire encore et toujours de cette vision avant-gardiste du musicien Allemand qui cherche toujours à joindre des phases d'harmonies à un dialecte tonal créatif et enchanteur. Déroutant pas instants mais très bon au final!

Sylvain Lupari 12/02/2018

samedi 10 février 2018

BREIDABLIK: Penumbra (2017)

“Penumbra is a good little find that will please undoubtedly the aficionados of the retro Berlin School style where the gloomy ambiences were the dens of structures in continual movements”
1 Penumbra pt. I 19:29
2 Penumbra pt. II 11:07
3 Nehalennia 4:34
4 The Chariots of the Sun 5:14

Breidablik Music (DDL 40:24)
(Berlin School)
No, our ears are not dreaming! A layer of drones where glisten organic noises, introduces a line of foggy Mellotron with a fluty tint which floats with nobility until the first waddling of a line of sequences. As if by magic, fragrances of Ricochet and Phaedra jump in our ears while "Penumbra pt. I" is drifting with its buzzing layers to get lost in this movement of ambient rhythm on where are grafted here and there church bells. A line of melody binds itself to this rhythm, evaporating even its traces to reign solo with anesthetic lines. Layers of voice spread a savor of mysticism, whereas the sequencer, taken out of its hiding place, traces a superb zigzagging movement. Its figures of crisscrossed 8 are getting melt in a sound decor rich of its layers of voices and of its antipyretic mists, whereas the implosions of bass lines add a dramatic ingredient to this introduction in the universe of Breidablik. Another short phase of rhythm arises of this fascinating symbiosis between synth layers among which the macabre tones and the absent voices weave the heart and the soul of this “Penumbra”. Navigating between phases of ephemeral rhythms and soundscapes of Mephistophelian ambiences, the slow gestation of "Penumbra pt. I" also fills itself of layers of vampiric drones which hum with astral synth lines and cosmic elements. The migrations of the bass layers and of the radiations of the azure winds add to the well-crafted twilights of this long evolutionary title which is "Penumbra pt. I" until a real phase of rhythm breathes by the means of lively sequences which skip with velocity in this decor which gives all the nobility to the use of the analog synthesizers. The sequences which go out of the mouth of the winds, around the 12th minute, sculpt a slightly spheroidal motionless structure and of which the ascending movement sparkles between some lines of synth loaded of those philharmonic flavors of Tangerine Dream and layers of iridescent voices. A line of bass pulsations invites itself in this vertical dance, giving a livelier dimension to this short rhythmic passage which lasts hardly 4 minutes. A note, a single note survives to this merciless wall of atmospheres, among which a very acuteness layer which aims to be master on board. A dreamy note which roams and finds an astral road at the very end of "Penumbra pt. I".
Breidablik is my very last discovery in this immense cosmic ocean which is contemporary EM. Doing old in a spirit of modernity, such is Morten Birkeland Nielsen's prerogative. Using mainly analog synthesizers, this Norwegian musician builds soundscapes as epic as in the 70's. The music is dark with a strong chthonian accent which wraps the rhythms, the harmonies and the jets of ambiences from a sound flora as intriguing as fascinating. “Penumbra” is his first album and follows a series of 3 E.P. which testifies of a diversity without borders in the world of the darkness which is apparently inspired by Tangerine Dream albums, from Phaedra to Cyclone. "Penumbra pt. II" starts in a sound magma in full ebullition. Hits of bass drums and sound pearls falling from their necklace decorate a macabre decor in which breathes a luminous flute. Sonic waves, swirling as the light signals of a lighthouse, add a pallet of tones which undulate of its threatening reverberations. Besides this nice flute line which is dragging here and there, we find cosmic elements which were borrowed from the kingdom of Ashra, period 77-78. The structure of rhythm which emerges is activated by a bass pulsation. Its oscillating dance awakes some good memories while the sound elements vary between layers of voice, rushes of dark winds and electronic chirpings which remind to us that we don't listen to Tangerine Dream. Shorter and very catchy, "Penumbra pt. II" ends its race like in the first part where a movement of sequences is resuscitating to be taken away by an astral divinity. Two short titles complete this album of forty-something minutes, giving an overview of both faces of Breidablik. Very cinematographic, kind of dread and of dramatic intensity, "Nehalennia" blows our ears with an intense synth line in the flavors of old organ which amasses diverse scattered tones to forge one dense tonal magma which withers in winds and void where survives a bizarre frog isolated. On the other hand, "The Wagons of the Sun" is all in rhythm with a movement of the sequencer in mode Popcorn, the hit of the 70's, but in lento. The beat is pleasant with a shower of lines which drag at horizontal in a structure created for the ambient but really effective rhythm.
Penumbra” is a good little find that will please undoubtedly the aficionados of the retro Berlin School style where the gloomy ambiences were the dens of structures in continual movements. Very good and available only in download format on the Bandcamp site of Breidablik where other beautiful finds wait for you.

Sylvain Lupari (February 10th, 2018) ****¼*
You will find this album on the Bandcamp page of Breidablik
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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Non, nos oreilles ne rêvent pas! Une couche de bourdonnements où brasillent des bruits organiques, introduit une ligne de Mellotron brumeuse avec un teint fluté qui flotte avec noblesse jusqu'au premier dandinement d'une ligne de séquences. Comme par magie, des fragrances de Ricochet et de Phaedra sautent aux oreilles alors que "Penumbra pt. I" dérive avec ses nappes bourdonnantes pour s'égarer dans ce mouvement de rythme ambiant où se greffent momentanément des cloches d'église. Une ligne de mélodie s'arrime à ce rythme, évaporant même ses traces pour régner en solitaire avec des lignes anesthésiantes. Des couches de voix répandent un parfum de mysticisme, tandis que le séquenceur, sorti de sa cachette, trace un superbe mouvement zigzagant. Ses figures de 8 entrecroisées se fondent dans un décor sonore riche de ses nappes de voix et de ses brumes antipyrétiques, alors que les implosions de lignes de basse ajoutent un ingrédient dramatique à cette introduction à l'univers de Breidablik. Une autre courte phase de rythme surgit d'entre cette fascinante symbiose entre des couches de synthé dont les tons macabres et les voix absentes tissent le cœur et l'âme de “Penumbra”. Voguant entre des phases de rythmes éphémères et des paysages d'ambiances méphistophéliques, la lente gestation de "Penumbra pt. I" se gave aussi de nappes de drones vampiriques qui ronronnent avec des lignes de synthé astrales et des éléments cosmiques. Les migrations des nappes de basse et les radiations des vents azurés ajoutent aux pénombres bien agencés de ce long titre évolutif qu'est "Penumbra pt. I" les jusqu'à ce qu'une véritable phase de rythme respire par le biais de séquences vives qui sautillent avec vélocité dans ce décor qui donne toute la noblesse à l'utilisation des synthétiseurs analogiques. Les séquences qui sortent de la bouche des vents, autour de la 12ième minute, sculptent une structure stationnaire légèrement sphéroïdale et dont le mouvement ascendant scintille entre des lignes de synthé aux parfums philarmoniques de Tangerine Dream et des nappes de voix irisées. Une ligne de basse pulsation s'invite à cette danse verticale, donnant une dimension cadencée plus entraînante à ce court passage rythmique qui dure à peine 4 minutes. Une note, une seule note survit à cet implacable muraille d'ambiances dont une nappe très acuité se veut maître à bord. Une note rêveuse qui déambule et trouve une route astrale à la toute fin de "Penumbra pt. I".
Breidablik est ma toute dernière découverte dans cet immense océan cosmique qu'est la MÉ contemporaine. Faire du vieux dans un esprit de modernité, tel est l'apanage de Morten Birkeland Nielsen. Utilisant principalement des synthétiseurs analogues, ce musicien Norvégien construit des paysages soniques aussi épiques que dans les années 70. La musique est sombre avec un fort accent chtonien qui enduit ainsi les rythmes, harmonies et jets d'ambiances d'une flore sonore aussi intrigante que fascinante. “Penumbra” est son premier album et suit une série de 3 E.P. qui témoigne d'une diversité sans frontières dans le monde des ténèbres qui est visiblement inspiré des albums de Tangerine Dream, de Phaedra à Cyclone. "Penumbra pt. II" débute dans un magma sonore en pleine ébullition. Des coups de grosses caisses et des perles soniques détachées de leur collier ornent un décor macabre dans lequel respire une flûte lumineuse. Des ondes sonores, tournoyant comme les signaux lumineux d'un phare, ajoutent une palette de tons qui ondoient de ses menaçantes réverbérations. Outre cette belle ligne de flûte qui y traîne, on retrouve des éléments cosmiques qui ont été empruntés au royaume d'Ashra, période 77-78. La structure de rythme qui émerge est activée par une basse pulsation. Sa danse oscillante réveille de bons souvenirs alors que les éléments soniques varient entre des nappes de voix, des rushs de vents sombres et des gazouillis électroniques qui nous rappellent que l'on n'écoute pas du Tangerine Dream. Plus court et plus accrocheur, "Penumbra pt. II" termine sa course comme la 1ière partie où un mouvement de séquences se réanime afin d'être emporté par une divinité astrale. Deux courts titres complètent cet album d'une 40taine de minutes, donnant un aperçu des deux visages de Breidablik. Très cinématographique, genre angoisse et intensité dramatique, "Nehalennia" souffle nos oreilles avec une intense ligne de synthé aux parfums de vieil orgue qui amasse diverses tonalités éparpillées afin de forger un dense magma tonal qui flétrit dans des vents et le vide du temps où survit une étrange grenouille isolée. Par contre, "The Chariots of the Sun" est tout en rythme avec un mouvement du séquenceur en mode Pop-Corn, le hit des années 70, en lento. La marche est agréable avec une ondée de lignes qui trainent à l'horizontal dans une structure créée pour du rythme ambiant mais drôlement efficace.
Penumbra” est une belle petite trouvaille qui plaira assurément aux aficionados du style Berlin School rétro où les ambiances ténébreuses étaient les tanières de structures en continuels mouvements. Très bon et disponible uniquement en format téléchargement sur le site Bandcamp de Breidablik où d'autres belles trouvailles nous attendent.

Sylvain Lupari 10/02/2018

vendredi 9 février 2018

ALIEN NATURE: Heisenberg 1 (2012-2017)

“Those who believe that EM is lacking of life, of energy should throw an ear and listen to this Heisenberg 1”
1 Part 1 24:19
2 Part 2 23:08
3 Part 3 18:24
4 Part 4 13:52

Alien Nature Music (DDL 79:45)
(Driven Sequencer-Based E-Rock)
   **Chronique en français plus bas**

In my review of the Return to the Land of Dreams album I pointed out to you that Alien Nature puts a part of his discography on his Bandcamp download platform. One finds discoveries there. Albums which have gone under the radars. Like this “Heisenberg 1” that Wolfgang Barkowski released at the same time as Who Goes There?, either on December 2012. If this last album went out on the German label SynGate, “Heisenberg 1” was a self-made production offered in CD-r and without artworks, nor explanatory memorandums. It's the same way that he proposes on Bandcamp where the information is always non-existent. Due to the name of the album, one knows that there will be another volume, which is the case actually, and one guesses that the music makes a reference to the life, to the work of Werner Heisenberg, a German physicist who is one of the founders of the quantum mechanics. And according to the music, Heisenberg didn't have it so easy …
"Part 1" starts with a thick layer of oscillations which roll with an evasive harmonious approach. It's an introduction of electronic nebulosity on which get grafted sound effects, chirpings of machine and cosmic breezes which seem to hum with human voices. Percussions to tones of metal which were cloned with organic matters set up a strange structure of rhythm, pushing "Part 1" towards the roots of a vintage psychedelic cosmic rock. Jerky chords merge with these harmonies which are not too much far from the 60's fuzz-wah-wah, giving an improbable futuristic dimension to this introduction which sounds like outside of any eras. It's lively and it's good! The big fat and very juicy chords seem alone after the mark of 10 minutes, breathing these amphibian structures of Jean-Michel Jarre in his En Attendant Cousteau. Slightly too long, but not deprived of interest, "Part 1" binds to this identity before pouring a slight floating of serenity in "Part 2". Its first 4 minutes are coated of celestial voices. A bass pulsation brings out the bludgeon towards 4:30 minutes, awakening percussions which plough on a structure of pure electronic rock a rhythmic pattern which is more in an evolutive mode here. We are entitled to a small moment of bizarreté electronics around the 14th minute, giving thus a second breath in a good structure of electronic rock bare of synth solos but not of harmonies, which seem weaved in a parallel universe to “Heisenberg 1”. The synth solos show personality with all their attributes as acrobatic than harmonious in "Part 3", a title more in mode Dance Music which also bursts after almost 5 minutes of ambiospherical authority. If there is an observation to make on this album, it's the constancy of its rhythms which develop a fury renewed in every stage of the album. "Part 4" proposes the shortest ambiospherical introduction in “Heisenberg 1” before bringing out a rhythm which is situated between Dance Music and an E-rock more in the Neo Berlin School genre. A metallic glazing covers the rhythmic surface which mixes a good dose of boldness with these chords of dance and these sequences of rock below a concert of cymbals and a good flock of singing exercises from a choir without breath. Wolfgang Barkowski plays more often here with the permutation of his rhythms which always remain very lively, even under another shape, after brief interludes of sound strangeness which abound in puddles of ambiences as much exotic that the electronic universe can shape.
Alien Nature doesn't go in for subtleties in “Heisenberg 1”! The sound is as hard as the phases of rhythms which never feel sorry for our feet. There is a good mixture of Krautrock, the of Düsseldorf School and of old Berlin School, in particular at the level of the rather Schulze atmospheres of ether by moments, in these 4 long structures which make live an album not really so unexpected as this, considering the boldness, always very easy to tame by the way, of Wolfgang Barkowski. Those who believe that EM is lacking of life, of energy should throw an ear and listen to this “Heisenberg 1”.

Sylvain Lupari (February 8th, 2018) ***¾**
You will find this album on Alien Nature Bandcamp
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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Dans ma chronique sur l'album Return to the Land of Dreams je vous faisais remarquer qu'Alien Nature mettait un pan de sa discographie sur sa plateforme de téléchargement Bandcamp. On y trouve des trouvailles. Des albums qui ont passé sous les radars. Comme ce “Heisenberg 1” que Wolfgang Barkowski réalisait en même temps que Who Goes There?, soit en Décembre 2012. Si ce dernier album sortait sur le label Allemand SynGate, “Heisenberg 1” était une production maison offert en CD-r et sans pochette, ni notes explicatives. C'est ce même format qui est proposé sur le site Bandcamp où les informations sont toujours aussi rarissimes. De par le nom de l'album, on sait qu'il y a un autre volume (c'est exactement le cas) et on se doute que la musique fait référence à la vie, à l'œuvre de Werner Heisenberg un physicien allemand qui est l'un des fondateurs de la mécanique quantique. Et d'après la musique, Heisenberg ne l'a pas eu facile…
"Part 1" débute avec une nuée d'oscillations qui roulent avec une approche harmonique évasive. C’est une introduction de nébulosité électronique où se greffent des effets, des gazouillis de machine et des brises cosmiques qui semblent fredonner avec des voix humaines. Des percussions aux tonalités de métal que l'on a cloné avec des matières organiques érigent une étrange structure de rythme, poussant "Part 1" vers les racines d'un vintage rock cosmique psychédélique. Des accords saccadés fusionnent avec ces harmonies qui ne sont pas trop loin des fuzz-wah-wah des années 60, donnant une improbable dimension futuriste à cette introduction qui sonne comme hors de n'importe quelle tranche de temps. C'est entraînant et c'est bon! Les gros accords gras et bien juteux se rendent seuls après la barre des 10 minutes, respirant ces structures amphibiennes de Jean-Michel Jarre dans son En Attendant Cousteau. Un peu trop long, mais point dénué d'intérêt, "Part 1" s'arrime à cette identité avant de verser un léger flottement de sérénité dans "Part 2". Ses 4 premières minutes sont nappées de voix célestes. Une pulsation basse sort le gourdin vers les 4:30 minutes, éveillant des percussions qui labourent une structure de pur rock électronique dont le schéma rythmique est plus en mode évolutif. On a droit à un petit moment de bizarretés électronique vers la 14ième minute, redonnant un second souffle à une bonne structure de rock électronique dénudé de solos de synthé mais pas d'harmonies, qui semblent tissées dans un univers parallèle à “Heisenberg 1”. Les solos de synthé apparaissent avec tous leurs attributs autant acrobatiques qu'harmoniques dans "Part 3", un titre plus en mode Dance Music qui éclate aussi après près de 5 minutes d'instance ambiosphérique. S'il y a un constat à faire sur cet album, c'est la constance de ses rythmes qui développent une furie renouvelée à chaque étape de l'album. "Part 4" propose la plus courte introduction ambiosphérique de “Heisenberg 1” avant de sortir une rythmique qui se situe entre la Dance Music et un rock électronique plus dans le genre Néo Berlin School. Un glaçage métallique recouvre la surface rythmique qui mélange avec une bonne dose d'audace ces accords de danse et ces séquences de rock sous un concert de cymbales et une volée de vocalises d'une chorale sans souffle. Wolfgang Barkowski joue plus souvent ici avec la permutation de ses rythmes qui restent toujours très entraînants, même sous une autre forme, après de brefs interludes d'étrangetés soniques qui foisonnent dans des mares d'ambiances aussi exotique que l'univers électronique peut façonner.
Alien Nature ne fait pas dans la dentelle avec “Heisenberg 1”. Le son est aussi dur que des phases de rythmes qui n'ont aucune pitié pour nos pieds. Il y a un bon mélange de Krautrock, de l'école de Düsseldorf et du vieux Berlin School, notamment au niveau des ambiances d'éther assez Schulze par endroits, dans ces 4 longues structures qui font vivre un album pas vraiment si inattendu que cela, considérant les audaces, toujours très faciles à domestiquer par ailleurs, de Wolfgang Barkowski. Ceux qui croient que la MÉ manque de vie devraient jeter une oreille à ce “Heisenberg 1”.

Sylvain Lupari 08/02/2018