mercredi 17 janvier 2018

BERTRAND LOREAU: Finally Vol. 1 & Vol. 2 (2017)

“Quite far from the visions of Spheric Music, this double album is nevertheless a splendid essay on various melodious themes rich in Berliner, classical and cinematic moods”
CD1 (73:52)
Finally, A Tear of Luciana, Tchau Téo, A Son is Born, Passage, Phare De Vie, Évasion Rêvée, Pour Arnaud, La Jetée De St Michel, Amour De Persée, Renaissance, Moulin De La Falaise, Grand Blottereau, Des Illusions, Atlantic Airport, Message Perdu, Prière, Solitude Standing, En Attendant C. Poisson, Le Ciel Est Jaune (Extrait)

CD2 (71:18)
La Chaise Vide, Toujours Là, Une Autre Vie, Echo De Ton Âme, Pour Solenn, Alone Together, Ton Message, Spirit of the Deep, Réminiscences, Lambert Beach, Valentin, Plougoulm, Granite Song, Correspondance Extrait 1, Train De Vie, Correspondance Extrait 2, Jeux D'enfants, Sissable, D'une Rive À L'autre, Au Revoir

Spheric Music | SMCD 6305  (CD 145:10)
(Romantic and orchestral Berlin School)
It's been a while that I know the music of Bertrand. In fact, the very first album I reviewed was Sur le Chemin, a collection of 12 rather lyrical compositions back in spring 2011. Then came albums such as Réminiscences, Morceaux Choisis and Amarres Rompues. So, why am I talking to you guys about those? Often imperceptible, Bertrand Loreau is like this butterfly which looks for its metamorphoses while dragging its old roots which have fertilized him. And its butterfly effect is like multiple musical reveries which go beyond ages and territories. This fervent defender of music from Klaus Schulze and Pink Floyd is above all a stupefying melodist. From his first steps in composition, either at the end of the 70's to today, the musician of Nantes has always privileged a melodious approach in his compositions, such as shows his very beautiful Réminiscences. The thing is, such an approach is often difficult to conjugate with the model of real Berlin School, long and tortuous with premises of improvisation. And Bertrand writes music! He never stops writing music. In a rather surprising gesture, Lambert Ringlage agreed to produce “Finally Vol. 1 & Vol. 2”, a bedside album. An intimist chamber album where harmonies sculpted in the spheroidal movements of the sequencer, the orchestral arrangements and the multiple effects of synth hang onto slow, sometimes cheerful, structures which are very far from the kind of the house. But the rhythms are not the panacea of the old Berlin movement, the synth solos are also very connected to it. And they are countless and downright attractive in this album where Bertrand Loreau's dreams infiltrate our sensibility to establish an improbable fanciful duet between two sensitive souls which a thin musical line unites through Atlantic Ocean and in the remains of time.
"Finally" opens our ears to this world of delight and romanticism with an artificial oboe which blows a nice melody on a slow staccato movement. A choir of young seraphic virgins accompanies this slow procession towards the discovery of the 39 other titles of “Finally Vol. 1 & Vol. 2”, a very important album for Bertrand Loreau who questions himself on his positioning in relation with music. All the tracks here lead towards melodic monuments which weave here and there some very nice earworms. The orchestrations in "A Tear of Luciana" are of a tenderness which stigmatizes this desire to stay prisoner of our musing. The same goes for "Tchau Téo" and "Illusions", while "A Son is Born" is more joyful, even slightly more lively. In fact, as lively as a chamber music can be. "Renaissance" is of the same mold. The arrangements are of silk. As long as we catch ourself thinking that we listen classical music. That's what my sweet Lise thought when listening to some parts of CD1. We are entitled to a few sequences, as in the procession in "Passage", a music which is very much just like its title. In the same approach, we shall find "La Jetée De St Michel" and its long synth solos which are as much delicious as very musical. And what to say about circular movement of the sequencer and its fragile chords of glasses in this title? "Phare De Vie" is a darker title with a big bed of layers a bit gloomy, while "Évasion Rêvée" shows a little more the Vangelis side of Bertrand with a music as complex as melodious. Although the music of Vangelis has not the same influence as that of Schulze on Bertrand, we find some common thread on “Finally Vol. 1 & Vol. 2” which are not so much twisted. I think among others of the very moving "Pour Arnaud" as well as "Grand Blottereau" and its solos which sing as those of a morose saxophonist on a ledge on a night of full moon. "Message Perdu" is another title which exploits the talents of Bertrand on the synth. The ritornello of crystal clear sequences in "Prière" also reminds me of Vangelis, but not the fluty melody which does very French movie music. It's about that I think moreover by listening to "Amour De Persée", which is a good lively tune with its Vladimir Cosma's perfumes. The flute in "Solitude Standing" also reminds me of his lively, cheerful and a little bit clanic approach, while the sequencing pattern does very TD of the Johannes Schmoelling's years.
Influence that we also find on "La Jetée De St Michel" and the light beat in "Atlantic Airport". "Moulin De La Falaise" is an intense piece of music which would fit so well in a dramatic movie, while "En Attendant C. Poisson" and "Le Ciel Est Jaune (Extrait)" are two tracks built on the same pattern, but which are not inevitably in the same diapason at the level of ambiences, of vibes. One puts CD 2 and one has the impression to live the Groundhog Day! The 20 titles present here also oscillate between symphonic music, although less present, romantic music, well one or maybe two tracks may sound twisted, Berlin School moods or beats and finally always very beautiful melody weaved in the paths of a tortured soul. "La Chaise Vide" throws influences of Tangerine Dream of the Jive years, for the ambiences, while the sequencer is knitting a nice harmony pinched like in the corridors of a fictitious harp. "Toujours Là" is a darker composition with a touching piano. "Echo De Ton Âme", "Ton Message", "Granite Song" are titles which would go well in Vangelis' repertoire. The fusion of emotions and orchestrations give so many shivers as with CD1. Introverted or jovial, titles like "Une Autre Vie", "Pour Solenn", "Spirit of the Deep", the fascinating "Plougoulm" and the splendid "Jeux D'enfants" will overturn your emotions. "Jeux D'enfants" that I had already heard on the album Sur le Chemin is the kind of thing which gives gooseflesh to the soul. "Lambert Beach" and the very intense "Valentin" are two rather film titles. Whilst I write these lines, Bertrand Loreau prepares Finally Vol. 3 & Vol. 4, an album centered on sequences which also will be available on Spheric Music. And we have a very good idea of the orientations of this album with a title like "Réminiscences", there is not much of rhythm but it's a rather Berliner title. While titles like "D'une Rive À L'autre" et "Au Revoir" don't leave much ambiguity regarding the musical orientation of the following act of this very musical, very scenic and especially very melodious “Finally Vol. 1 & Vol. 2”.
An album which flirts between romanticism, because of its very melodious and very orchestral visions, theme music and an EM where the Berlin School side is more assumed by the role of the synths than of the sequencer, this very beautiful compilation of Bertrand Loreau is the purest proof that the melody gives a nobility to music. I have adored it from start to end. And there are 40 good reasons to explain that!

Sylvain Lupari (January 17th, 2018) *****
You will find this album on Spheric Webshop as well as at CD Baby
Je connais la musique de Bertrand depuis un bail. En fait, le premier album que j'ai chroniqué fut Sur le Chemin, une collection de 12 titres assez lyriques que j'ai chroniqués au printemps 2011. Puis vint des albums tel que Réminiscences, Morceaux Choisis et Amarres Rompues. Pourquoi cette sélection? Souvent insaisissable, Bertrand Loreau est comme ce papillon qui cherche ses métamorphoses tout en traînant ses vieilles racines qui l'ont fécondé. Et son effet papillon est comme de multiples rêveries musicales qui s'étendent au travers les âges et les territoires. Ce fervent défenseur des œuvres de Klaus Schulze et Pink Floyd est avant tout un très grand mélodiste. De ses premiers pas en composition, soit à la fin des années 70 à aujourd'hui, le musicien de Nantes à toujours privilégier une approche mélodieuse dans ses compositions, comme le démontre le très beau Réminiscences. Mais voilà, une telle approche est souvent difficile à conjuguer avec le modèle d'un véritable Berlin School long, tortueux avec des prémisses d'improvisation. Et Bertrand compose! Il n'en finit plus d'écrire de la musique. Dans un geste assez surprenant, Lambert Ringlage accepte de produire “Finally Vol. 1 & Vol. 2”, un album de chevet. Un intimiste album de chambre où des harmonies sculptées dans les mouvements sphéroïdaux du séquenceur, des arrangements orchestraux et multiples effets de synthé s'accrochent à des structures lentes, parfois enjouées, qui sont très loin du genre de la maison. Mais les rythmes ne sont pas la panacée du vieux mouvement Berlinois, les solos de synthé s'y rattachent aussi. Et ils sont innombrables et carrément séduisants dans cet album où les rêves de Bertrand Loreau infiltrent notre sensibilité afin de constituer un improbable duo chimérique entre deux âmes sensibles qu'un mince filet musical unit à travers l'Océan Atlantique et les épaves du temps.
Le premier CD est structuré comme une musique de chambre dans une vision très Baroque de Bertrand Loreau. "Finally" ouvre nos oreilles à ce monde d'enchantement et de romantisme avec un hautbois artificiel qui souffle une belle mélodie sur un lent mouvement staccato. Une chorale de jeunes vierges séraphiques accompagne cette lente procession vers la découverte des 39 autres titres de “Finally Vol. 1 & Vol. 2”, un album très important pour Bertrand Loreau qui se questionne sur son positionnement par rapport à la musique. Toutes les pièces de musique débouchent vers des monuments mélodiques qui tissent ici et là de beaux vers d'oreilles. Les orchestrations dans "A Tear of Luciana" sont d'une tendresse qui stigmatise ce désir de rester prisonnier de nos rêveries. Idem pour "Tchau Téo" et "Des Illusions", alors que "A Son is Born" est plus joyeux, même légèrement plus entraînant. En fait aussi entraînant qu'une musique de chambre peut l'être. "Renaissance" est du même moule. Les arrangements sont de soie. Tant que l'on se surprend à penser que l'on écoute du classique. À tout le moins, c'est ce que ma douce Lise entendait. On a droit à un peu de séquences, comme dans la procession dans "Passage", une musique qui est très à l'image de son titre. Dans cette même approche, on trouvera "La Jetée De St Michel" et ses solos de synthé qui sont autant exquis que très musicaux. Et que dire du mouvement circulaire du séquenceur et ses accords de verres fragiles dans ce titre? "Phare De Vie" est un titre plus sombre avec un grand lit de nappes un brin moroses, alors que "Évasion Rêvée" démontre un peu plus le côté Vangelis chez Bertrand avec une musique aussi complexe que mélodieuse. Bien que la musique de Vangelis n'ait pas la même emprise que celle de Schulze sur Bertrand, on retrouve quelques fils conducteurs sur “Finally Vol. 1 & Vol. 2” qui ne sont pas tous autant tordus. Je pense entre autre au très émouvant "Pour Arnaud" ainsi qu'à "Grand Blottereau" et ses solos qui chantent comme ceux d'un saxophoniste morose sur une corniche par une nuit de pleine lune. "Message Perdu" est un autre titre qui exploite les talents Bertrand au synthé. La ritournelle de séquences limpides dans "Prière" me fait aussi penser à du Vangelis, mais pas la mélodie flûtée qui fait très cinéma français. C'est à cela que je pense d'ailleurs en écoutant "Amour De Persée", qui est une belle mélodie bien vivante avec ses airs de Vladimir Cosma. La flûte dans "Solitude Standing" me fait aussi penser à son approche vivante et un peu clanique, alors que le mouvement du séquenceur fait très TD des années Johannes Schmoelling.

Influences que l'on retrouve aussi sur "La Jetée De St Michel" et le léger "Atlantic Airport". "Moulin De La Falaise" est un titre intense qui irait tellement bien dans un film dramatique, alors que "En Attendant C. Poisson" et "Le Ciel Est Jaune (Extrait)" sont deux titres structurés sur le même pattern, mais qui ne sont pas nécessairement au même diapason au niveau des ambiances. On met le CD2 et on a vit le jour de la marmotte! Les 20 titres présents oscillent aussi entre de la musique symphonique, quoique moins présente, de la musique romantique, 1 ou 2 titres un peu plus tordus, plus de rythme de la Berlin School et toujours de la très belle mélodie tissée dans les sentiers d'une âme torturée. "La Chaise Vide" respire les influences de Tangerine Dream des années Jive, pour les ambiances, alors que le séquenceur tisse une belle harmonie pincée comme dans les corridors d'une harpe fictive. "Toujours Là" est une composition plus sombre avec un piano émouvant. "Echo De Ton Âme", "Ton Message", "Granite Song" sont des titres qui iraient bien dans le répertoire de Vangelis. La fusion émotions et orchestrations donnent autant de frissons que sur le CD 1. Introvertis ou enjoués, des titres comme "Une Autre Vie", "Pour Solenn", "Spirit of the Deep", le fascinant "Plougoulm" et le superbe "Jeux D'enfants" feront chavirer vos émotions. "Jeux D'enfants", que j'avais déjà entendu sur l'album Sur le Chemin est le genre de truc qui donne la chair de poule à l'âme. "Lambert Beach" et le très intense "Valentin" sont deux titres assez cinématographiques. À l'heure où j'écris ces lignes, Bertrand Loreau prépare Finally Vol. 3 & Vol. 4, un album centré sur les séquences qui sera aussi disponible sur Spheric Music. Eh bien nous avons une très bonne idée des orientations de cet album avec des titres comme "Réminiscences", il y a peu de rythme mais c'est un titre plutôt Berliner. Alors que des titres comme "D'une Rive À L'autre" et "Au Revoir" ne laissent aucune ambiguïté quant à l'orientation musicale de la suite de ce très musical, très scénique et surtout très mélodieux “Finally Vol. 1 & Vol. 2”.
Un album qui flirte entre du romantisme, parce que très mélodieux et très orchestral, une musique de film et une MÉ où le côté Berlin School est assumé plus par le rôle des synthés que du séquenceur, cette très belle compilation de Bertrand Loreau est la preuve la plus pure que la mélodie donne une noblesse à la musique. J'ai adoré! Et il y a 40 bonnes raisons pour l'expliquer.
Sylvain Lupari 17/01/2018
A little Teaser

lundi 15 janvier 2018

BRIDGE TO IMLA: The Radiant Sea (2017)

“The Radiant Sea is a mosaic of atmospheric elements which is ideal for those who enjoy a long quiet journey in the twilights of dark ambient music”
1 Prologue: The Kuroshio Current 6:40
2 Tsushima Basin 1:56
3 Shatsky Rise 7:09
4 The Aleutian Current 3:15
5 Hikurangi Plateau 3:05
6 Mariana Trench 4:51
7 Louisville Ridge 4:47
8 The California Current 1:34
9 Richards Deep 7:14
10 Raukumara Plain 7:19
11 Emerald Fracture Zone 6:43
12 Fobos-Grunt 4:13
13 The Humboldt Current 5:24
14 Galathea Depth 5:22
15 Epilogue: Ring of Fire 4:24

Winter-Light ‎– WIN 013 (CD/DDL 74:47)
(Dark ambient music)
A quiet journey in twilights rich in synth waves and in hollow breezes where the purity of waters is confronted to the immorality of men! Set up on an implosive storm of 75 minutes, “The Radiant Sea” is the result of a collaboration between Michael Brückner and Hans-Dieter Schmidt who form from now on the Bridge To Imla project. I know well enough Michael Brückner's style to know that the German musician adapts himself at every level, from ambient music to sequenced Berlin School by touching a little to the EDM style, while Hans-Dieter Schmidt, who is known in the field since the end of the 80’s with its project Imaginary Landscape, is rather of the ambient kind with deep soundscapes which flirt with a meditative approach. The history behind “The Radiant Sea” goes back to the Fukushima Drones album, a collaboration of various artists to raise funds in order to support the victims of Fukushima nuclear disaster. This album appeared on the Aural Film label in 2013. Michael Brückner had composed then the track All the Weight of the Sun. He also wrote a rather impressive stream of ambient music of which the main lines guide the music of this album. It's at that time that the idea to realize an album with Hans-Dieter Schmidt, who had already collaborated on Brückner's One Hundred Million Miles Under the Stars back in 2012, had been moved forward. Some 4 years later, both musicians realized a solid quantity of purely atmospheric music, very cinematic music, to Robert Rich who has delicately retextured and remasterised it in his Soundscape Studio.
A muffled humming wraps gradually the tick-tock of a clock and the voice of a narrator. Like a starving rumbling, it swallows these elements in an avalanche of synth layers which outspreads such as a flow of lava. This flow of sound magma congeals its fury when it melts down into the Neptunian breezes of an azure blue. We hardly crossed the 3 minutes and already the atmospheric elements of "Prologue: The Kuroshio Current" give the colors of the tones of “The Radiant Sea”. Between an alarmist fury countered by the quiet force of the reconstructive elements of the nature, the music of Brückner/Schmidt spreads its contrasts with a tonal elegance which makes the strength of this first opus of Bridge To Imla. But here, the music of this album is only intended for the fans of atmospheric elements, at the image of the artistic seal of the Dutch label Winter Light which produces this album. A melody sculpted in the abandonment escapes from a piano, signature of Michael Brückner who likes to mislay these pensive lines of piano. The soundscapes of “The Radiant Sea” follow each other like a morphic monument which takes place as a music for documentary on the continual battles of the Pacific Ocean. These rumblings pursue the descent of this flow up through the borders of "Tsushima Basin", where ring bells in a mess, to reach the soft moaning of a violin skillfully sculptured by Hans-Dieter Schmidt on his EWI. These two elements are rather present in this oceanic ode. We are in the more melodious lands in this second part of "Shatsky Rise". Except that the melodious verses are extremely rare in this album. But they arise as shadows throughout an opaque sound curtain. Like in "The Aleutian Current" and its strident whistles which very make contrasts with the backdrop always dark or still with the distant orchestrations in "Hikurangi Plateau".
What fascinates in this album is this subtle gradation of the atmospheres, thus the emotions, which follows peacefully the advance of its sonic current. The caresses of Aeolus are lively and shrill, as in "Mariana Trench" which spreads slowly its shroud of fragility by crossing the very oriental approach of the violin in "Louisville Ridge". The notes of piano roam here with a fascinating will to disappear in the steam of good synth solos. I have this impression to hear the surrealist decor of Vangelis here. After another interlude of dark mediation with "The California Current", "Richard Deep", which does very Steve Roach by the way, shakes elements of rhythms which fast sink into oblivion. "Raukumara Plain" is a good title where fascinating voices whisper in the tears of violins. Sound effects are painting the decor like knife blows on a silk painting. There are many elements in this title which seems to be the core of “The Radiant Sea”. "Emerald Fracture Zone" confirms this hypothesis with a very sibylline approach. The ringings which sparkle almost everywhere in this landscape of shadows remind me of the Michael Stearns' oceanic, and nevertheless melodious, universe on the M'Ocean album. A pure delight and a classic of ambient music which throws its particles in “The Radiant Sea”. Multiple ringing also decorate the somber universe of "Fobos-Grunt". One has to wait until "The Humboldt Current" before hearing the shiny side of this album. It's a soft moment of serenity embellished by layers of violin and pearls of a piano always so subdued. With breezes become darker again, "Galathea Depth" calls the finale of this album with a pack of breezes which moves towards "Epilogue: Ring of Fire". This last title contains in its 5 minutes the wealth of this first album of Bridge To Imla. An album very rich in tones and in colors of sounds which should undoubtedly please the aficionados of the genre. Need to say that with names as much legendary in the domain, the result meets the expectations.

Sylvain Lupari (January 15th, 2018) *****
You will find this album on
Winter Light Bandcamp

Un tranquille voyage dans des pénombres riches en vagues de synthés et en brises caverneuses où la pureté des eaux est confrontée à l'immoralité des hommes! Érigé sur une tempête implosive de 75 minutes, “The Radiant Sea” est le résultat d'une collaboration entre Michael Brückner et Hans-Dieter Schmidt qui forment dorénavant le projet Bridge To Imla. Je connais assez bien le style de Michael Brückner pour savoir que le musicien Allemand s'adapte à tous les niveaux, musique d'ambiances au Berlin School séquencé en effleurant un peu d'EDM, alors que Hans-Dieter Schmidt, qui œuvre dans le domaine depuis la fin des années 80 avec son projet Imaginary Landscape, est plutôt du genre ambiant avec des paysages sonores qui flirtent avec une approche méditative. L'histoire derrière “The Radiant Sea” remonte à l'album Fukushima Drones, une collaboration de différents artistes afin d'amasser des fonds pour soutenir les sinistrés de la catastrophe nucléaire de Fukushima parue sur l'étiquette Aural Film en 2013. Michael Brückner avait alors composé la pièce All The Weight of the Sun. Il avait aussi composé un flot assez impressionnant de musique d'ambiances dont les grandes lignes se retrouvent sur cet album. C'est à cette époque que l'idée de réaliser un album avec Hans-Dieter Schmidt, qui avait déjà collaboré sur l'album One Hundred Million Miles Under the Stars de Brückner en 2012, avait été avancée. Quelques 4 ans plus tard, les deux musiciens soumettent une palette de musique purement d'ambiances, de musique très cinématique, Robert Rich a délicatement retexturé et masterisé dans son Soundscape Studio.
Un bourdonnement sourd enveloppe graduellement les tic-tac d'une horloge et une voix narratrice. Comme un grondement affamé, il avale ces éléments dans une avalanche de couches de synthés qui s'étend comme une coulée de lave. Cette coulée de magma sonique fige sa fureur à la rencontre d'une brise neptunienne d'un bleu azuré. À peine 3 minutes passées et les éléments d'ambiances de "Prologue: The Kuroshio Current" donnent la couleur des tons de “The Radiant Sea”. Entre une fureur alarmiste contrée par la force tranquille des éléments reconstructeurs de la nature, la musique du duo Brückner/Schmidt étend ses contrastes avec une élégance tonale qui fait la force de ce premier opus de Bridge To Imla. Mais ici, la musique de cet album est destinée uniquement aux amateurs d’ambiances, comme le sceau artistique du label Néerlandais Winter-Light qui produit cet album. Une mélodie sculptée dans l'abandon s'échappe d'un piano, signature de Michael Brückner qui aime bien égarée ces lignes de piano songeuses. Les paysages sonores de “The Radiant Sea” se suivent comme un monument morphique qui se déroule comme une musique pour documentaire sur les continuelles batailles de l'Océan Pacifique. Ces grondements poursuivent la descente de cette coulée à travers les frontières de "Tsushima Basin", où tintent des clochettes en désordre, pour atteindre les tendres jérémiades d'un violon habilement sculpté par le EWI de Hans-Dieter Schmidt. Ces deux éléments sont assez présents dans cette ode océanique. Nous sommes en terre plus mélodieuse dans cette seconde partie de "Shatsky Rise". Sauf que les versets mélodieux sont rarissimes dans cet album. Mais ils surviennent comme des ombres au travers un opaque rideau sonore. Comme dans "The Aleutian Current" et ses siffles aigus qui font très contrastes avec la toile de fond toujours sombre ou encore avec les lointaines orchestrations dans "Hikurangi Plateau".
Ce qui fascine dans cet album est cette subtile gradation des ambiances, donc des émotions, qui suit paisiblement l'avancée de son courant sonique. Les caresses d'Éole sont vives et stridentes, comme dans "Mariana Trench" qui étend doucement son linceul de fragilité en traversant l'approche très Orientale du violon dans "Louisville Ridge". Les notes de piano errent ici avec une fascinante volonté de disparaître dans de bons solos de synthé. J'ai l'impression d'entendre le décor surréaliste de Vangelis ici. Après un autre interlude de médiation sombre avec "The California Current", "Richards Deep", qui fait très Steve Roach en passant, secoue des éléments de rythmes qui tombent vite dans l'oubli. "Raukumara Plain" est un bon titre où de fascinantes voix chuchotent dans les larmes de violons. Des effets sonores peinturent le décor comme des coups de couteaux sur une toile de soie. Il y a beaucoup d'éléments dans ce titre qui semble être le cœur de “The Radiant Sea”. "Emerald Fracture Zone" confirme cette hypothèse avec une approche très sibylline. Les tintements qui scintillent un peu partout dans ce paysage d'ombres me font penser à l'univers océanique et pourtant mélodieux de Michael Stearns sur l'album M'Ocean. Un pur délice et un classique de musique d'ambiances qui secoue ses particules dans “The Radiant Sea”. Des tintements multiples décorent aussi le sombre univers de "Fobos-Grunt". Il faut attendre à "The Humboldt Current" avant d'entendre le versant lumineux de cet album. C'est un doux moment de sérénité embelli par des couches de violon et des perles d'un piano toujours aussi effacé. Avec des brises redevenues plus sombres, "Galathea Depth" annonce la finale de “The Radiant Sea” avec une meute de brises qui se dirigent vers "Epilogue: Ring of Fire". Ce dernier titre renferme dans ses 5 minutes la richesse de ce premier album de Bridge To Imla. Un album très riche en tons et en couleurs des sons qui devrait assurément plaire aux amateurs du genre. Faut dire qu'avec des figures aussi légendaires dans le domaine, le résultat répond aux attentes.

Sylvain Lupari 15/01/2018

samedi 13 janvier 2018

MOONBOOTER: Cosmosonic (2018)

 “This one is a killer! With a skillful mixture of IDM, E-rock and cosmic ambient music, this Cosmosonic is, and by far, the most beautiful opus from Moonbooter”
1 LIFO 5:05
2 Caught by Melancholy 7:15
3 I remembered Tomorrow 6:17
4 Within Time Machine 6:55
5 33 years Later 3:52
6 Cosmic Thunder 9:35
7 Now and Then 7:12
8 Inside Space 5:51
9 Outside Space 4:04
10 Anatal 4:43
11 Perfect Stranger 6:49
12 Follow M 6:49

MellowJet Records | mb1801 (CD/DDL 74:27)
(IDM, E-Rock, Cosmic Music)
That's what happens when we take the time to savor an album! We hang on to structures where the mystery and the melody are merging with elegance. And all that seemed to us average at the beginning, takes another proportion with the order of the tracks and some other listening. Between his IDM, his E-rock and his cosmic music styles, Bernd Scholl always manages to charm an audience which identifies with one of these styles especially because of his strong melodic presence. And if an album could harmonize all these kinds? “Cosmosonic” is the one! On about 75 minutes of a music of which the common link is the strong presence of synths and of synth solos, this last album of Moonbooter reaches an unhoped-for nirvana where the fan of E-rock eventually ended to like his feisty sound of dance style music and vice versa. A tour de force which makes of this most beautiful and the most complete album of Moonbooter.
A sonic wave coming from the nothingness wraps a beautiful lively sequence which skips in solo. A pulsation dimmed and forged like an effect of a tongue that we slam in the palate is grafted to this structure simple and motorik, beating in countersense and not at all on the same pace. Other elements of percussions converge on the introduction of "LIFO", giving two senses to a music which goes for a good phase of EDM. Effects of voices erode by radioactivity give then a light aspect of psy dance-music, while definitively "LIFO" takes off in mode Dance with an approach crossed with a good E-rock. Heavy of its big juicy chords and livened up by a jewel of percussion effects of all tones, the rhythm is as lively as melodious with a kind of techno for zombies marinated in THC. From then on, "LIFO" sets the tone to a stunning melodious and highly worked EM album. With its riffs of the 70's dance music, "Caught by Melancholy" is a hymn to dance very faithful to the signature of Moonbooter. Very harmonious elements of the Jive years from Tangerine Dream breathes here, as well as on other titles among the much fiery "33 years Later", the kind of thing which is going to make you run out of breath. As in each album of the Cosmos series, Moonbooter manages to lay down some beautiful pearls by linking Berliner EM style to hymns of dance a little less deafening. Like the superb "I remembered Tomorrow" and its heavy and slow rhythm which is clubbed by very nice synth pads from a synth forgotten in the studios of Le Parc. This is the kind of thing that brings you to another level. And it's not the only one here. "Within Time Machine" is a wonderful ballad which escapes from the depths of an opening soaked of a nebulous painting among which the contemporary tones and the structure have nothing to envy to the vintage years. The rhythm is heavy and slower than in "I remembered Tomorrow", which is more in a down-tempo style, with a dense bluish mist which surrounds a beautiful melodic procession and some very good percussive effects which assist the heavy, slow and stunning percussions. They are two very good movements of lasciviousness cerebral before that "33 years Later" and its very Dance music style, which survives by jerky pulsations and especially jingles of percussions, gets too fast for my feet. Bernd Scholl throws tiles of harmonies which transcend the insane hammerings of the rhythms of lead which fill the surface of “Cosmosonic”.
Except that this last opus of Moonbooter is more than a simple album of dance. The German musician gives a lot of space here to some very cosmic vibes, like in the opening of "I remembered Tomorrow" and "Cosmic Thunder". This other superb title is simply addicting. Our spirit is tickled by its slow procession which is majestically fed by wonderful solos of synth and of organ which calls back the most beautiful days of Klaus Schulze … and even more. If the rhythm seems imperfect, the ambiences which surround it correct this situation up until the complete ripening around the 6th minute. But it's too late, we are already hooked because of these solos and effects, like these thunderclaps and these layers of organ, which petrify us on the spot from the first seconds of what I qualify as being the most beautiful title of Moonbooter's repertoire. Period! "Now and Then" is as much livened up and catchy as "Caught by Melancholy" while that "Inside Space" is a title of ambiences pushed by effects of reverberations on a nest of quiet floating waves. Arpeggios ringing like a concerto for harp feed a little a structure which tries to wake up and whose finale is crushed by a big radioactive breath. This element of intensity propels "Outside Space" towards a mixture of e-rock and dance music. One of the titles, with "Caught by Melancholy" and the fiery "Anatal" and its spiral of resonant arpeggios which knocks out the senses, that I liked after more than one or two listening. The female voice here sounds very TD, period Atomic Seasons. "Perfect Stranger" is another very catchy and wonderful ballad on this album which doesn't stop at all to charm, while that "Follow Me" concludes it album with a lively structure where e-rock and dynamic IDM mix their possible charms on a distance of 6:49 minutes. It's already finished and one dives back into the styles, all charms included, of this solid album from Moonbooter. “Cosmosonic” is, and by far, his most beautiful opus and a blow of charm to begin 2018. Hold this title in mind because it could very well appear on my Top10 of 2018!

Sylvain Lupari (January 12th, 2018) ****¾*
You will find this album on the MellowJet Records shop
Voilà ce qui arrive lorsque l'on prend le temps de déguster un album! On s'accroche à des structures où le mystère et la mélodie fusionnent avec élégance. Et tout ce qui nous semblait moyen au début, prend une toute autre proportion avec le positionnement des titres et les écoutes. Entre ses styles d'IDM, de rock électronique et de musique cosmique, Bernd Scholl réussit toujours à charmer un auditoire qui s'identifie à un de ces styles surtout grâce à sa forte présence mélodique. Et si un album arrivait à harmoniser tous ces genres? “Cosmosonic” y parvient! Sur près de 75 minutes d'une musique dont le lien commun est la forte présence de synthés et de solos de synthés, ce dernier album de Moonbooter atteint un nirvana inespéré où l'amateur de rock électronique fini par aimer son fougueux style de Dance Music et vice-versa. Un tour de force qui fait de cet album le plus beau et le plus complet de Moonbooter.
Une onde sonore venant du néant enveloppe une belle séquence vive qui sautille en solitaire. Une pulsation assourdie et forgée sur un effet de langue que l'on claque dans le palais se greffe à cette structure simple et motorique, battant à contre-sens et pas du tout sur la même cadence. D'autres éléments de percussions convergent vers l'introduction de "LIFO", donnant deux sens à une musique qui se dirige vers une bonne phase d'EDM. Des effets de voix grugées par de la radioactivité donnent alors un léger aspect de psy dance-music, alors que définitivement "LIFO" décolle en mode Dance avec une approche croisée dans un bon rock électronique. Lourd de ses gros accords juteux et animé par un joyau d'effets de percussions de tous acabits, le rythme est aussi entraînant que mélodieux avec un genre de techno pour zombies marinées dans du THC. Dès lors, "LIFO" donne le ton à un superbe album de MÉ mélodieuse fort bien conçue. Avec ses riffs de danse des années 70, "Caught by Melancholy" est un hymne à la danse très fidèle à la signature de Moonbooter. Des éléments très harmonieux de la MÉ des années Jive de Tangerine Dream respirent ici, ainsi que sur d'autres titres dont le trop fougueux "33 years Later", le genre de truc qui va vous rendre à bout de souffle. Comme à chaque album de la série Cosmos, Moonbooter réussit à pondre de belles perles en liant la MÉ de style Berliner à des hymnes de danse un peu moins décapant. Comme le splendide "I remembered Tomorrow" et son rythme lourd et lent qui est matraqué par de belles nappes d'un synthé oublié dans les studios de Le Parc. Le genre de truc qui vous amène à un autre niveau! Et ce n'est pas le seul ici. "Within Time Machine" est une superbe ballade qui s'échappe des entrailles d'une ouverture imbibée d'ambiances vaporeuses dont les tonalités et la structure contemporaines n'ont rien à envier aux années vintages. Le rythme est lourd et plus lent que dans "I remembered Tomorrow" qui est plus du style down-tempo, avec une dense brume bleutée qui encercle une belle procession mélodique et de très bons effets percussifs qui secondent des percussions lourdes, lentes et assommantes. Ce sont deux très bons mouvements de lascivité cérébral avant que "33 years Later" et sa musique très Dance, qui survit par des pulsations saccadées et surtout des cliquetis de percussions, soit trop rapide pour mes pieds. Bernd Scholl lance des tuiles d'harmonies qui transcendent les martèlements maladifs des rythmes de plomb qui plombent la surface de “Cosmosonic”.
Sauf que ce dernier opus de Moonbooter est plus qu'un simple album de danse. Le musicien Allemand donne beaucoup d'espace ici à des ambiances très cosmiques, comme dans l'ouverture de "I remembered Tomorrow" et "Cosmic Thunder". Cet autre superbe titre est tout simplement addictif. Notre esprit est chatouillé par sa lente procession qui est majestueusement nourrie par de splendides solos de synthé et d'orgue qui rappelle les plus beaux jours de Klaus Schulze…et même plus. Si le rythme semble imparfait, les ambiances qui l'entourent corrigent cette situation jusqu'à murissement complet autour de la 6ième minute. Trop tard, on est déjà accro à cause de ces solos et des effets, comme ces coups de tonnerres et ces nappes d'orgue, qui nous pétrifient sur place dès les premières secondes de ce que je qualifie comme étant le plus beau titre du répertoire de Moonbooter. Point! "Now and Then" est aussi animé et vivant que "Caught by Melancholy" alors que "Inside Space" est un titre d'ambiances poussé par des effets de réverbérations sur un nid de tranquilles ondes flottantes. Des arpèges sonnant comme un concerto pour harpe alimentent un peu une structure qui cherche à s'éveiller et dont la finale est broyée par un gros respire radioactif. Cet élément d'intensité propulse "Outside Space" vers un mélange de rock électronique et de Dance Music. Un des titres, avec "Caught by Melancholy" et le fougueux "Anatal" et sa spirale d'arpèges résonnants qui assomme les sens, que j'ai aimé après quelques écoutes. La voix ici fait très TD, période Atomic Seasons. "Perfect Stranger" est une autre superbe ballade très accrochante sur cet album qui ne finit plus de séduire, alors que "Follow Me" conclut ce splendide album de Moonbooter avec une structure vivante où le rock électronique et la dynamique IDM entremêlent leurs possibles charmes sur une longueur de 6:49 minutes. C'est déjà fini et on replonge dans les styles, tous en charmes, de ce solide album de Moonbooter. “Cosmosonic” est, et de loin, son plus bel opus et un coup de charme pour débuter l'année 2018. Retenez ce titre car il pourrait fort bien paraître sur mon Top 10 de 2018!

Sylvain Lupari 12/01/2018
I Remembered Tomorrow

vendredi 12 janvier 2018

GUSTAVO JOBIM: Meio-Dia (2017)

“Although bathing in very complex and uneasy to tame moments, Meio-Dia is probably one of the best album in 2017”
1 Meio-Dia 22:02
2 Pirâmide 15:32
3 Eterno Retorno 7:17
Gustavo Jobim Music (DDL 44:51)
(Krautrock, Berlin School, Experimental)

Gustavo Jobim is quite a whole phenomenon! Die-hard fan of the motorik structures of rhythms a la Düsseldorf School, the multi- instrumentalist from Brazil has gradually moving up through success of the artistic credibility by attacking a not really accessible musical genre. A kind which makes nevertheless a fascinating and tangible link between the Krautrock of the vintage years to a more contemporary Krautrock, while injecting old fragrances of Ash Ra Tempel and Tangerine Dream of the Pink years. We can always be intimidated by his style, but each time we tame one of his albums one recognizes all the extent of his creativity. “Meio-Dia” is already a 19th album for this eclectic artist. And what an album it is! A surprising album because we slide easily in spheres which are familiar to us with 2 key titles which evolve between schemas so surprising and always complex, but at the very end rather attractive.
Percussive elements are dancing with the rhythm of a stoned peak wood at the opening of the long title-track. Some chords, playing cat and mouse, espouse this model of rhythm which does rather EDM when synth layers throw some nice tunes and solos which move in a phase of improvisation. The rhythm breaks itself in an impromptu way from the 3rd minute. Only stay these wooden castanets which skip in the floating tunes of a Mellotron. Hopping arpeggios are redefining then new borders. And if the rhythm seems alike, the decor changes with the addition of rough layers which grumble in a little game of effects and harmonies where the Mellotron waltzes now with a jet of chords which petrify a zigzagging structure which we hear hardly in a ornament rich in tones and in effects. Riffs of keyboards are dancing at the same diapason of the Mellotron pads, which have here a light hint of organ, demonstrating all the depth of a title which roots down in its rather jerky minimalist structure, but which flows all the same well enough. You like sounds? A crossroads of sounds which are independent one of the others but which breathe in the same corridor? The first 8 minutes of "Meio-Dia" are going to seduce you, after having tamed all the sound dimension. Afterward, the music goes to a phase of chthonian atmospheres with delicious waves of organ of which the floating harmonies roam like lost specters while imitating the initial structure of rhythm with slow impulses. A little more than 4 minutes farther, these vibes rush towards a rhythmic motif a little bit more lively. A rhythm where the sequences dance such as a reunion of small imps on an air of traditional folklore. Gustavo Jobim weaves superb synth solos here while "Meio-Dia" sinks in a finale heavy of these atmospheres sculpted by a Mellotron in mode Suspiria from Goblin.
After this great track, "Pirâmide" brings us in territories forgotten by the Krautrock movement and of Kraftwerk's first albums in a structure where Ralf and Florian album's fragrances are firing up the starving skeleton of Autobhan. The rhythm, the vibes and the harmonies! Everything is vertiginous in this very multicolor and multitonal opening. The movement slips towards a much colorful phase where tones communicate with a language as so complex as these sounds which teem in video games. This phase of ambiences moves towards the 3rd part of "Pirâmide". Here the Autobhan is multicolored of a wall of shrill tones which screech in an eternal madness. If the rhythm remains lively, the ambiences and the cacophonous harmonies which roar a vision simply abstract will give some headaches to those who want to resist. We are a bit much in Gustavo Jobim's extreme. In a more abstract, even concrete music, where we feel this huge admiration of Gustavo for Conrad Schnitzler by whom anti commercial, almost anti music, approach is strongly anchored on this title. To say the least, in its last phase. But there are many elements of retro Berlin School on "Pirâmide" that we discover with surprise after some listening. It's a little less rough, but always enough intimidating, with the very Richard Pinhas rhythm (era L'Éthique) which is landing between our ears with the following track. "Eterno Retorno" is very much like the meaning its title with its structure which evolves by a movement of ascending sequences of which the loops are heading for the same ritornello, as rhythmic as harmonious, while the moods and the secondary melodies are halfway between the most accessible and the most inaccessible of "Pirâmide".
Not for all the ears, although all should dare the experience “Meio-Dia” is an audacious music box which stays of a matchless accessibility in Gustavo Jobim's repertoire. The title-track shows all the genius of a musician who tests his machines in territories that few artists dare to venture. And the result is as well puzzling as delirious! Set apart the infernal final of "Pirâmide", some 40 other minutes of this album are in the field of a rather accessible experimental EM which will know how to seduce the least shy ears. Audacious and musical, the two extremes live without superficiality in this fascinating album which meets all challenges in order to have a special place among the most beautiful albums of experimental EM and without borders in 2017.

Sylvain Lupari (January 11th, 2018) ****½*
You will find this album on the Gustavo Jobim's Bandcamp 

Gustavo Jobim est tout un phénomène! Fan fini des structures de rythmes motoriques de la Düsseldorf School, le multi instrumentaliste du Brésil a graduellement gravi les marches de la crédibilité artistique en attaquant un genre musical pas vraiment accessible. Un genre qui fait pourtant un fascinant et tangible lien entre le Krautrock des années vintages à un Krautrock plus contemporain, tout en injectant les parfums du vieux Ashra et Tangerine Dream des années Pink. On peut toujours être intimidé par son style, mais à chaque fois que l'on dompte un de ses albums on reconnaît toute l'étendue de sa créativité. “Meio-Dia” est déjà un 19ième album pour cet artiste éclectique. Et c'est tout un album! Un album surprenant puisque l'on glisse facilement dans des sphères qui nous sont connues avec 2 titres phares qui évoluent entre des schémas aussi étonnants et toujours complexes, mais à la toute fin assez séduisants.
Des éléments percussifs dansent avec le rythme d'un pic bois un peu gelé en ouverture de la longue pièce-titre. Des accords, jouant un peu au chat et à la souris, épousent ce modèle de rythme qui fait plutôt EDM une fois que des nappes de synthés lancent de beaux refrains et solos qui se poussent dans une phase d'improvisation. Le rythme se casse d'une façon impromptue dès la 3ième minute. Seules restent ces castagnettes de bois qui sautillent dans des chants de Mellotron. Des arpèges sautillants redéfinissent alors des nouvelles frontières. Et si le rythme semble similaire, le décor change avec l'ajout de nappes rugueuses qui râlent dans un micmac d'effets et d'harmonies où le Mellotron valse maintenant avec un jet d’accords qui pétrifient une structure zigzagante que l'on entend à peine dans un décor riche en tons et en effets. Des riffs de claviers dansent au même diapason des nappes de Mellotron, qui ont ici un léger soupçon d'orgue, démontrant toute la profondeur d'un titre qui s'enracine dans sa structure minimaliste plutôt saccadée, mais qui coule tout de même assez bien. Vous aimez les sons? Un carrefour de sons qui sont indépendants l'un des autres mais qui respirent dans le même corridor? Les 8 premières minutes de "Meio-Dia" vont vous séduire, après en avoir apprivoisé toute la dimension sonore. Par la suite, la musique se dirige vers une phase d'ambiances chtoniennes avec de délicieuses nappes d'orgue dont les harmonies flottantes errent comme des spectres égarés tout en imitant la structure de rythme initiale avec de lentes impulsions. Un peu plus de 4 minutes plus loin, ces ambiances se fondent vers un rythme plus enlevant. Un rythme où les séquences dansent comme une réunion de petits diablotins sur un air de folklore traditionnelle. Gustavo Jobim tisse de superbes solos de synthé alors que "Meio-Dia" s'enfonce dans une finale lourde de ces ambiances sculptées par un Mellotron en mode Suspiria de Goblin.
Après ce superbe titre, "Pirâmide" nous amène dans les territoires oubliés du Krautrock et des premiers albums de Kraftwerk dans une structure où les parfums de Ralf And Florian embrasent le squelette affamé d'Autobhan. Le rythme, les ambiances et les harmonies! Tout est vertigineux dans cette ouverture très multi couleurs et pluri tonales. Le mouvement dérape vers une phase très bariolée où les tons communiquent avec un langage aussi complexe que ces sons qui pullulent dans les jeux vidéo. Cette phase d'ambiances s'achemine vers la 3ième partie de "Pirâmide". Ici l'Autobhan est bariolé d'une muraille de tonalités stridentes qui crissent dans une folie éternelle. Si le rythme reste entraînant, les ambiances et les harmonies cacophoniques qui hurlent une vision tout simplement abstraite donneront quelques maux de têtes à ceux qui veulent résister. Nous sommes un peu beaucoup dans l'extrême de Gustavo Jobim. Dans une musique plus abstraite, voire concrète, où l'on palpe cette grande admiration de Gustavo pour Conrad Schnitzler dont l'approche anti commerciale, quasiment anti musique, est fortement ancrée sur ce titre. À tout le moins, dans sa dernière phase. Mais il y a beaucoup d'éléments de Berlin School rétro sur "Pirâmide" que l'on découvre avec étonnement après quelques écoutes. C'est un peu moins pire, mais toujours assez intimidant, avec le rythme très Richard Pinhas (période L'Éthique) qui atterrit entre nos oreilles dans la piste suivante. "Eterno Retorno" est très à l'image de son titre avec sa structure qui évolue par un mouvement de séquences ascendantes dont les boucles épousent la même ritournelle, tant rythmique qu'harmonique, alors que les ambiances et mélodies secondaires sont à mi-chemin entre le plus accessible et le plus inaccessible de "Pirâmide".
Pas pour toutes les oreilles, quoique toutes devraient oser l'expérience, “Meio-Dia” est une audacieuse boîte à musique qui reste d'une accessibilité sans égal dans le répertoire de Gustavo Jobim. La pièce-titre démontre tout le génie d’un musicien qui teste ses machines dans des territoires que peu d'artistes osent s'aventurer. Et le résultat est aussi déroutant que délirant! Mis à part l'infernale finale de "Pirâmide", les quelques 40 autres minutes de cet album sont dans le domaine d’une MÉ expérimentale plutôt accessible qui saura séduire les oreilles les moins timides. Audacieux et musical, les 2 extrêmes cohabitent sans superficialité dans ce fascinant album qui relève tous le défis pour se tailler une place de choix parmi les plus beaux albums de MÉ expérimentale et sans frontières en 2017.
Sylvain Lupari 10/01/2018

mardi 9 janvier 2018

ANDY PICKFORD: Works 2 (1997-2013)

“What I like the most in this Works 2 is this natural way that AP has to switch from his obscur side to a more harmonious, luminous visions”
1 The Girl from Planet X 5:10
2 Cathedral 6:57
3 Hellsgate 11:23
4 In Silent Vigil 4:50
5 Akira 7:34
6 Sarcophagus 4:36
7 Solitude's Shadow 11:19
8 Sayonara 7:02
9 Hellfire (Studio Track) 8:46
10 Into the Blue (Studio Track) 5:33
11 Into the Blue (Blue Two Remix) 4:58

Andy Pickford Music (DDL 78:15)
Recorded during concerts given to the Derby Guildhall between 1994 and 1996, “Works 2” is a great album from Andy Pickford which covers the period of Maelstrom to Xenomorph. The most beautiful period, according to his fans, of Andy Pickford. I consider it superior to Works 1 and one cannot makes differently with the immeasurable "Cathedral". I discovered on this album a better balance between the dark side of the English musician and his clearly superior melodious approach here, as well as his orchestrations which are very English. The rhythms are catchy and lively. They go from a solid E-rock to a more furious England School, without forgetting the soft ballads which become inescapable in the repertoire of AP.
Austere layers lead the opening of "The Girl from Planet X" which turns into a good E-rock very near of Geoff Downes' kind of electro-pop, in particular at the level of the orchestrations. At times Arabian, these orchestrations are teasing effects of voices from a vocoder still very present in Andy Pickford's visions of the future. Exclusion made of the opening, "The Girl from Planet X" turns out to be a good light, melodious and lively rock. The kind of thing we whistle afterward by wondering from where comes this tune. The fusion between the titles of this album reminds me of these famous bridges created by TD in order to unite 2 titles in concert, so bringing "The Girl from Planet X" towards the most enjoyable jewel on this album, "Cathedral". This is an outstanding ballad on a kind of down-tempo beat which waits for our ears here. The music is just splendid with soft synth layers which sing and float on good effects of felted and subdued percussions. The melody is blown by a vocoder, an instrument here which does a pattern of android singer and which flows very well into the Andy Pickford's synth-pop universe. And the tunes are interrupted by a synth and by its charms of electronic nightingales. The solos spin around between the interludes of these futuristic ritornellos and the more it goes and the more they are incisive and end in strength the finale of what sounds like a classical piece of EM in the Pickford universe. We hear all of his talent of melodist here. And it's the same thing, on another level, with the heavy rhythm of "Hellsgate" where AP knits superb solos which give back all the nobility to EM. The percussions are very active and spit a rhythm which follows the long zigzagging movements of the sequencer from which some lost thin lines are flirting with a stroboscopic structure. These percussions give a Machiavellian depth to "Hellsgate" in a phase which is more ambient in the middle. The second part moreover is less wild with an ascending movement of the sequencer but which is still very decorated by great synth solos. AP is in great shape! Some huge layers of organ conclude the title which finds refuge under a thunder of applause. And it's well deserved! The depth reaches the ambiences of "In Silent Vigil" which is a more meditative title fill with nice synth pads with orchestral breaths which could very well come from the darkness. Furthermore, a humming of machine can be heard in the background and solves the finale of this title of atmospheres which is very welcome after the heaviness of "Hellsgate".
"Akira" gets loose from these atmospheres to offer a more nervous structure with good effects which are borrowed from the domain of the Dream. The music proposes a drop of the Middle East with some tribal essences, illuminating a rhythm which becomes more incisive, more lively after the point of 2 minutes. I like these percussive effects which ring like breaths of flute. Still here, the rhythm is as much catchy and maker of musical itch as in "The Girl from Planet X". "Sarcophagus" is a title of dramatic atmospheres with heavy rather harmonious synth pads which flow over percussions which would make a fantastic impression in a terror movie. The introduction of "Solitude's Shadow" respects a little bit the dark approach of the previous title with sequences which flicker such as a small swarm of fireflies in a hieratic mist. Voices of women recite a psalm of which the definition escapes my understanding. On the other hand, I understand clearly the plaintive harmonies of the synth which brings this phase of static rhythm towards a solid E-rock lectured by the jerky movement from the layers of an always melodious synth and smith of solos as charming as unpredictable. A surprising, and short, solo of electronic percussions waits for our ears here. Sign that AP tries constantly to renew the fascination of his listeners. I like, even with this more realistic choir which brings back "Solitude's Shadow" to the atmosphere's elements of its opening. "Sayonara" ends the live section of “Works 2” with a structure of melodies and of pompous ambiences which makes very Vangelis. The first version of this album came with 2 titles recorded in studio at the same period. "Hellfire" is a pure big rock a la sauce England School. The movement is introduced by 2 lines of sequences which criss-cross their keen oscillations whereas the synth raises beautiful harmonies which flow such as phases of solos. Percussions resound at the background, shaping a dramatic approach, whereas another line of sequences invites itself in this tournament of static rhythm. The cymbals which decorate the movement also awaken percussions, wilder ones, in order to plunge the music into a good E-rock, with a particular language of some sequences and numerous solos of a synth which also goes in mode electronic guitar. A very good catchy and lively England School style track. "Into the Blue" and "Into the Blue (Blue Two Remix)" are 2 rather light titles. Soft and hyper melodious titles, "Into the Blue (Blue Two Remix)" is more lively, to which one listens by a beautiful and relaxing Sunday morning. Between New Age (yes yes) and Easy Listening (yes yes)!! Now I understand a little more the roots of the 5 volumes from the Adagiometry series! And in the end, it just confirms the high quality of melodist that is Andy Pickford. And no matter the kinds, the styles he always manages to stick an unexpected thing which blows out our ears! Definitively, I prefer it to Works 1.

Sylvain Lupari (January 8th, 2018)
You will find this album on AP Bandcamp
Enregistré lors de concerts donné au Derby Guildhall entre 1994 et 1996, “Works 2” est un très bel album d'Andy Pickford, je le considère supérieur à Works 1 et on ne peut faire autrement avec l'immesurable "Cathedral", qui couvre la période de Maelstrom à Xenomorph. La plus belle période, selon ses fans, d'Andy Pickford. J'ai découvert une meilleure balance entre le côté obscur du musicien Anglais et son approche mélodieuse, nettement supérieure ici, ainsi que ses orchestrations qui sont très anglaises. Les rythmes sont vivants et entraînants. Ils transitent entre du bon rock électronique et du England School fougueux, sans oublier les douces ballades qui deviennent des incontournables dans le répertoire d'AP.
Des nappes austères animent l'ouverture de "The Girl from Planet X" qui se transforme en un bon rock-électronique très près du genre électro-pop de Geoff Downes, notamment au niveau des orchestrations. Des orchestrations par moments arabiques qui entraînent des effets de voix d’un vocodeur toujours très actif dans les visions futuristes d'Andy Pickford. Exclusion faite de l'ouverture, "The Girl from Planet X" est un bon rock léger, mélodieux et entrainant. Le genre de truc que l'on siffle par la suite en se demandant d'où vient cet air. La fonte entre les titres de cet album rappelle ces fameux ponts créés par TD afin d'unir 2 titres, amenant "The Girl from Planet X" vers le suave "Cathedral". C'est une splendide ballade du genre down-tempo qui attend nos oreilles ici. La musique est superbe avec de tendres nappes de synthé qui chantent et flottent sur de bons effets de percussions feutrées et effacées. La mélodie est soufflée par un vocodeur, instrument qui fait figure de chanteur automate et qui coule très bien dans l'univers synth-pop d'Andy Pickford. Et les refrains sont entrecoupés par un synthé et par ses charmes de rossignols électroniques. Les solos virevoltent entre les intermèdes de ces ritournelles futuristes pour finir avec force dans ce qui s'apparente comme étant un classique de l'univers Pickford. On entend tout son talent de mélodiste ici. Et c'est la même chose avec le rythme lourd de "Hellsgate" où AP tricote de superbes solos qui rendent toute la noblesse à la MÉ. Les percussions sont très actives et crachent un rythme qui suit les longs mouvements zigzagants du séquenceur dont certaines lignes égarées flirtent avec une structure stroboscopique. Ces percussions donnent une profondeur machiavélique à "Hellsgate" dans une phase plus ambiante en mi-parcours. Une 2ième moitié d'ailleurs qui est moins sauvage, avec un mouvement ascendant du séquenceur, et ornée encore de très bons solos. De grosses nappes d'orgue conclut le titre qui se réfugie sous un tonnerre d'applaudissements. Et pour cause! La profondeur atteint les ambiances de "In Silent Vigil" qui est un titre plus méditatif avec de belles nappes aux souffles orchestraux qui pourraient fort bien venir des ténèbres. D'ailleurs un ronronnement de machine se fait entendre en arrière-plan et résoud la finale de ce titre d'atmosphères qui passe très bien après la lourdeur de "Hellsgate". 
"Akira" se détache de ces ambiances afin d'offrir une structure plus nerveuse avec de bons effets qui sont empruntés au domaine du Dream. La musique propose un soupçon du Moyen-Orient avec des essences tribales, illuminant un rythme qui devient plus incisif, plus entraînant après la barre des 2 minutes. J'aime ces effets percussifs qui sonnent comme des souffles de flûte. Encore ici, le rythme est aussi tisserand de désir coupable que celui dans "The Girl from Planet X". "Sarcophagus" est un titre d'ambiances dramatiques avec de lourdes nappes assez harmoniques qui coulent sur des percussions qui feraient un effet bœuf dans un film de terreur. L'introduction de "Solitude's Shadow" respecte un peu l'approche ténébreuse du titre précédent avec des séquences qui papillonnent comme un petit essaim de lucioles dans une brume hiératique. Des voix de femmes récitent un psaume dont la définition échappe à ma compréhension. Par contre, je comprends fort bien les harmonies plaintives du synthé qui amène cette phase de rythme statique vers un gros rock électronique sermonné par le mouvement saccadé des nappes d'un synthé toujours mélodieux et forgeur de solos aussi charmeurs qu'imprévisibles. Un étonnant, et court, solo de percussions électroniques attend nos oreilles. Signe qu'AP cherche constamment à renouveler la fascination de ses auditeurs. J'aime bien, même avec cette chorale plus réaliste qui reconduit "Solitude's Shadow" aux éléments d’ambiances de son ouverture. "Sayonara" termine la section concert de “Works 2” avec une structure de mélodies et d'ambiances pompeuses qui fait très Vangelis. La 1ière version de cet album venait avec 2 titres enregistrés en studio à la même période. "Hellfire" est un pur gros rock à la sauce England School. Le mouvement est initié par 2 lignes de séquences qui entrecroisent leurs vives oscillations tandis que le synthé dresse de belles harmonies qui coulent comme des phases de solos. Des percussions résonnent dans le fond, moulant une approche dramatique, tandis qu'une autre ligne de séquences s'invite à ce tournoi de rythme statique. Les cymbales qui ornent le mouvement éveillent aussi les percussions afin de plonger la musique dans un bon gros rock électronique avec un langage particulier de certaines séquences et de nombreux solos d'un synthé qui se met aussi en mode guitare électronique. Un bon titre très vivant et entraînant du genre England School. "Into the Blue" et "Into the Blue (Blue Two Remix)" sont 2 titres plutôt légers. Des titres hyper tendre et mélodieux, "Into the Blue (Blue Two Remix)" est plus entraînant, qui s'écoutent par un beau et bon dimanche matin. Entre du New Age (oui oui) et du Easy Listening (oui oui)!! Maintenant je comprends un peu plus les racines des 5 volumes de la série Adagiometry! Et au final, ça fait juste confirmer la grande qualité du mélodiste qu'est Andy Pickford. Et peu importe les genres, les styles il réussit toujours à coller un truc inattendu qui nous souffle les oreilles! Définitivement, j'aime mieux que Works 1.

Sylvain Lupari 08/01/2018