mardi 31 octobre 2017

NORD: Shadows of Time (2017)

“17 minutes which are so/so versus a total of 49, it ain't that bad for this 3rd sonic novel from Nord”
1 Introduction to Eternity 6:15
2 Infinity 9:36
3 Clockworks IV & V 14:51
4 Shadows of Time 8:20
5 The Dance of the Gears 10:27

Nord Music (DDL 49:32)
(Mix of Berlin & Romanian Schools with a hint of Rock)
Obsessed by time, from where it comes and where it goes. Can it be really measure? With so many questions and thoughts about time, Nord revives his reflections undertaken in 2016 with the excellent album Pendulum. And like a great majority of sequels, the first episode always remains the most delicious. Nord! So much music in so little time, although 2017 seems to be his least productive. And after albums so solid as Rings of Fire and The Hidden Garden of Semiramis, Sztakics István Attila seems to be short of breath with this “Shadows of Time” which proposes some great titles and others which get stuck in the mud with openings which seek to get out of their dead ends.
A big black breath explodes at the opening of "
Introduction to Eternity". Reverberating waves float there, adding a touch of mystery which is amplified by mute knockings and a vibe almost sibylline with these synth layers which moo and move with the floating of specters. These strident mooing become the harmonies of the ambiences from an opening endowed of an abstruse dimension which wakes up at about the 3rd minute with a race of the sequencer and the percussive effects of hands slamming. Lively and steady for more than 90 seconds, this rhythmic skeleton crosses the back- stage of "Introduction to Eternity" which prefers its lamentations of a synth in spectral mode than its jostling of the rhythm, as shown here when it gets back towards its ambiences of origin. Too bad! The rhythmic section was great but too short versus its long moment of ambiences. "Infinity" is simply magnificent. Its introduction proposes a light upward movement of the sequencer where are also charming some percussive effects. The synth spills laments of the same tone as in "Introduction to Eternity", except that they are softer, dreamier with a cachet filled of melancholy. I like the more solo shape of these harmonies. The rhythm oscillates slowly, freeing an aura of intensity which is also noticeable by the contribution of electronic effects and bluish mist. The orchestrations are soft and the effects flirt with the universe of Electronic Universe from Software. Percussions delicately lead the charge after 5 minutes, restructuring this good cosmic slow dance into a light rock approach which gets wrapped by orchestrations in mode staccato and by splendid synth solos. Present in The Hidden Garden of Semiramis, Kertész Huba loosens his furious guitar with great riffs which are coupled to the orchestrations and big solos which make duel with those of Sztakics István Attila on his synth. A great moment of electronic music! A tick-tock opens the first explorations of the ambiences of "Clockworks IV and V". The 3 first parts of this title being on the Pendulum album, it's a bit of the same essences that we find here. Layers of organ tones, movements of motionless sequences which flickers like a helicopter in mode attack, effects of wooshh and waash, dramatic decoration and a crowd of small noises, percussive as of ambiences, decorate the ambient paths of the first 10 minutes while the finale explodes in a good and very Jarre electronic rock. It's as good as in Pendulum. The title-track is simply magnetizing with its shy arpeggios which sculpture an evasive melody in the chants of a so harmonious synth and very creative with its soft and subtle fluty harmony. In fact, the introduction becomes a mishmash with arpeggios, flutes, cosmic layers and effects which coexist in a heavy and fascinating symbiosis while in the background takes shape a clearly more intense approach. And it's the eagerness of the sequenced arpeggios that puts our ears in appetite. From then on, these fabulous percussive effects of rattling and other effects of arrhythmic pulsations go towards sober percussions, giving more intensity to this cosmic rock also catchy and lively as this small portion of rhythm very Jarre that we find in "Introduction to Eternity". "The Dance of the Gears" ends this last sonic novel from Nord with a noisy opening where is escaping a zigzagging approach of the sequencer and very nice piercing harmonies blown by a synth in mode Mellotron. A panoply of effects, as sonic as percussive, decorate an introduction which stagnates in its spheroidal approach but all the same rich in effects and in intensity. Slightly too long, this introduction migrates with jingles to another roaring of the void before a rhythm, as cosmic as melodic, reverses the psychotronique trend of "The Dance of the Gears" which allows too much time to propose a so beautiful but a too short moment. Like in "Introduction to Eternity "! But 17 minutes which are so/so versus a total of 49, it ain't that bad…

Sylvain Lupari (October 30th, 2107) *****
You will find this album on Nord Bandcamp site
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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Obnubilé par le temps, d'où vient-il ou il va et se mesure-t-il réellement avec toute la sophistication de notre connaissance, de nos instruments, Nord relance sa réflexion entreprise en 2016 avec l'excellent album Pendulum. Et comme la très grande majorité des séquelles, le premier volet reste toujours le plus savoureux. Nord! Tellement de musique en si peu de temps, quoique 2017 s'annonce comme étant sa moins productive. Et après des albums aussi solides que Rings of Fire et The Hidden Garden of Semiramis, Sztakics István Attila semble manquer de souffle avec ce “Shadows of Time” qui propose de très grands titres et d'autres qui s'embourbent dans des ouvertures qui cherche comment se sortir de leurs impasses.
Un gros souffle noir explose en ouverture de "
Introduction to Eternity". Des ondes réverbérantes y flottent, ajoutant une touche de mystère qui est amplifiée par des cognements sourds et une ambiance quasi sibylline avec ces nappes de synthé qui mugissent et se déplacent avec les flottements des spectres. Ces meuglements acuités deviennent les harmonies d'ambiances d'une ouverture dotée d'une dimension absconse qui s'éveille vers la 3ième minute avec une course du séquenceur et des claquements de mains percussifs. Vif et soutenu pour plus de 90 secondes, cette ossature rythmique traverse l'arrière-scène de "Introduction to Eternity" qui préfère ses lamentations d'un synthé en mode spectral que son bousculade du rythme, comme en fait foi ce retour vers ses ambiances d'origine. Dommage, le rythme était bon, mais trop court versus les ambiances. "Infinity" est tout simplement superbe. Son introduction propose un léger mouvement ascensionnel du séquenceur où charment quelques effets percussifs. Le synthé étend des complaintes d'une même tonalité que dans "Introduction to Eternity", sauf qu'elles sont plus douces, plus rêveuses avec un cachet imprégné de mélancolie. On apprécie la forme plus en solo de ces harmonies. Le rythme oscille doucement, étalant une tension qui se remarque aussi par l'apport d'effets électroniques et de brume bleutée. Les orchestrations sont moelleuses et les effets flirtent avec l'univers d'Electronic Universe par Software. Des percussions sonnent délicatement la charge après les 5 minutes, restructurant ce beau slow cosmique en une approche plus rock léger qui se laisse envelopper par des orchestrations en mode staccato et de splendides solos de synthé. Présent dans The The Hidden Garden of Semiramis, Kertész Huba délie sa furieuse guitare avec de bons riffs qui sont jumelés aux orchestrations et de gros solos qui font duel avec ceux de Sztakics István Attila au synthé. Un grand moment de musique! Un tic-tac ouvre les premières explorations d'ambiances de "Clockworks IV & V". Les 3 premières parties de ce titre étant sur l'album Pendulum, ce sont un peu les mêmes essences que nous y trouvons ici. Nappes d'orgues, mouvements de séquences stationnaire qui papillonne comme un hélicoptère en mode attaque, effets de wooshh et de waash, décor dramatiques et une foule de petits bruits, percussifs et d'ambiances, ornent les sentiers ambiants des 10 premières minutes alors que la finale explose dans un bon rock électronique très Jarre. C'est aussi bon que dans Pendulum. La pièce-titre est tout simplement magnétisante avec ses arpèges timides qui sculptent une mélodie évasive dans les chants d'un synthé aussi harmonieux et très créatif avec sa douce et subtile harmonie flûtée. En fait, l'introduction devient un micmac où les arpèges, les flûtes, les nappes cosmiques et les effets coexistent dans une lourde et fascinante symbiose alors qu'en arrière-plan se dessine une approche nettement plus intense. Et c'est l'excitation des arpèges séquencés qui nous met les oreilles en appétit. Dès lors, ces fabuleux effets de crotales percussifs et des effets de pulsations arythmiques se dirigent vers de sobres percussions, donnant plus d'intensité à ce rock cosmique aussi enlevant que cette petite portion de rythme très Jarre que l'on retrouve dans "Introduction to Eternity". "The Dance of the Gears" termine cette dernière parution de Nord avec une ouverture tapageuse d'où s'échappe une démarche zigzagante du séquenceur et de très belles harmonies stridentes soufflées par un synthé en mode Mellotron. Une panoplie d'effets, tant sonores que percussifs, ornent une introduction qui stagne dans son approche sphéroïdale mais tout de même riche en effets et en intensité. Un peu trop longue, cette introduction migre avec des cliquetis vers un autre hurlement du vide avant qu'un rythme aussi cosmique que mélodique renverse la tendance psychotronique de "The Dance of the Gears" qui concède trop de temps afin de proposer un si beau mais trop court moment. Comme dans "Introduction to Eternity"! Mais 17 minutes moyennes sur un total de 49, ce n'est pas si mal.

Sylvain Lupari 30/10/2017

dimanche 29 octobre 2017

ALPHA WAVE MOVEMENT: Echoes in the Vacuum (2017)

“In spite of an approach which risks to confuse his fans, Echoes in the Vacuum remains a very good album where the kind of Electronica stays at the service of Alpha Wave Movement's music”
1 Herzschlag des Universums 6:46
2 Other Worlds 6:48
3 Luna Lamentabilis 6:27
4 Akasha 5:26
5 Garden of Memories 7:00
6 Solina Spaceways 6:21
7 Safe Journey 7:17

Harmonic Resonance Recordings | HRR170909
(CD-r/DDL 50:18)

(Soft Electronica, EDM)
When he sent me his last album, Gregory Kyryluk told me well; “Echoes in the Vacuum” is not a usual album in the style of Alpha Wave Movement. And it's quite a whole shift my friends that Gregory undertook here! In fact, a name to be held in order to understand better this bend; Robert Schroëder! The very famous German musician is second to none to jump from a style to the other one while maintaining those fine links which identify his name with his new orientation for the time of an album. Exploring completely unexpected styles in a musical aestheticism which inhales that of the AWM, Thought Guild and even Open Canvas, in particular for the delicious "Akasha", Gregory Kyryluk proposes here a small jewel which seduces with a bend towards a not too audacious Electronica where the flavors of his serenity float all over these structures which left me open-mouthed.
And "Herzschlag des Universums" does not too waste much time before we wonder if we listen music of AWM! In a meshing of sequences in mode Dance Music and percussions in mode Techno, the rhythm is also jerky and lively as the steps of a cat dancing with its reflections in a mirror. I hear clips of guitar dragging here and there while the synths throw circular effects and orchestral harmonies worthy of more contemporary years of Disco while roaming between this mode of Dance and Thought Guild's cosmic effects brand. In brief a pure title of dance music! Do I like? In small doses … With a good line of a very mesmerizing bass and fat sound effects full of copper-colored reverberations, the Groove of "Other Worlds" sounds like some very good Schroëder especially with these rolls of percussions which add a little something of very attractive to a music which remains mellifluously draped by nice foggy and orchestral layers. That I liked! I also like the rhythm of "Luna Lamentabilis" which is slightly more livened up but which is also decorated with a very beautiful glass melody. Simply splendid, "Akasha" is a hymn to a Hindu dance with a superb Sitar on a semi stroboscopic and a semi funk structure in a rhythmic approach which has a rage for the alternative rock style. The Sitar, the percussions, the bass and the Indie effects are simply remarkable. A big title which throws its shade almost everywhere on “Echoes in the Vacuum”. Even if "Garden of Memories" attracts us towards a good mixture of Lounge and down-tempo built on a pleasant line of bass and sieved by a piano as dreamy as that of Vangelis. Moreover, the layers of voices and of orchestrations leave here a flavor of the Greek musician. The structure is very rich in its piles of voices and in its bluish mist. Even if it's always in movement it remains in its ambient Électronica envelope. Sequences are tinkling in a circular membrane, like a rhythmic melody played on a xylophone, while the line of bass is doing magnetizing ravages, here and as everywhere in this album full of Electronica essences from Alpha Wave Movement. "Solina Spaceways" is another title which is very near to the Chill Out repertoire of Robert Schroëder. The rhythm is hopping and lively with, as decoration, falls of orchestral layers which tumble like curtains zigzagging from their Dance Music vibes, accompanying some very crystalline arpeggios which draw a melody broken by the beat. "Safe Journey" is a nice cosmic slow dance with sequences which weave a circular melody and especially a soft synth which cries here as if it was soaked by the graces of the Martenot waves.
In spite of an approach which risks to confuse his fans but can also attract new ones under false pretexts, unless that Gregory Kyryluk has enjoyed the experiment, “Echoes in the Vacuum” remains a very good album where the kind of Electronica, quite soft but livened up by lively rhythms, stays at the service of Alpha Wave Movement's music. Throughout its 46 minutes we feel the imprint of Gregory Kyryluk on these new rhythms of AWM. And this is like the multiple sonic explorations of Robert Schroëder! And if it's for Robert, it's good for Greg! In as much as the aestheticism and the passion are there! And it’s downright the case with this “Echoes in the Vacuum”, Hem, that I like this title ……
Sylvain Lupari (October 29th, 2017)***¾**

You will find this album on the Alpha Wave Movement Bandcamp page here
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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Lorsqu'il m'a fait parvenir son dernier album, Gregory Kyryluk m'avait bien avisé; “Echoes in the Vacuum” n'est pas un album habituel au style d'Alpha Wave Movement. Et c'est tout un virage mes amis que Gregory a entrepris ici! En fait, un nom à retenir afin de mieux comprendre ce virage; Robert Schroëder! Le très célèbre musicien allemand n'a pas son pareil pour sauter d'un style à l'autre tout en maintenant de fins liens qui identifient son nom à sa nouvelle orientation pour le temps d'un album. Explorant des styles tout à fait inattendus dans un esthétisme musical qui respire celui d'AWM, de Thought Guild et même d'Open Canvas, notamment pour le savoureux "Akasha", Gregory Kyryluk propose ici un petit bijou qui séduit avec un virage vers une Électronica pas trop audacieuse où les parfums de sa sérénité estampillent des structures qui m'ont laissé bouche bée.
Et "
Herzschlag des Universums" ne perd pas trop de temps avant que l'on se demande si on écoute du AWM! Dans un maillage de séquences en mode Dance Music et des percussions en mode Techno, le rythme est aussi saccadé et vif que les pas d'un chat dansant avec ses reflets dans un miroir. J'entends des agrafes de guitare trainer ici et là alors que les synthés lancent des effets circulaires et des harmonies orchestrales digne des années Disco plus contemporaines tout en errant entre ce mode Dance et les effets cosmiques à la Thought Guild. Bref un titre de Dance Music pur! Est-ce que j'aime? À petites doses… Avec une belle ligne de basse très envoutante et des effets sonores gras et pleins de réverbérations cuivrées, le Groove de "Other Worlds" sonne comme du très bon Schroëder surtout avec ces roulements de percussions qui ajoutent un petit quelque chose de très séduisant à une musique qui reste mielleusement drapée de belles nappes brumeuses et orchestrales. Ça j'aime! J'aime bien aussi le rythme de "Luna Lamentabilis" qui est légèrement plus animé mais qui est aussi orné d’une très belle mélodie en verre. Tout simplement superbe, "Akasha" est un hymne à la danse Hindoue avec une merveilleuse Sitar sur une structure semi stroboscopique et semi funk dans une approche rythmique qui a une rage pour du rock alternatif. La Sitar, les percussions, la basse et les effets Indie sont tout simplement remarquables. Un grand titre qui jette de l'ombre un peu partout sur les autres titres de “Echoes in the Vacuum”. Même si "Garden of Memories" nous attire vers un bon mélange de Lounge et de down-tempo monté sur une suave ligne de basse et tamisée par un piano aussi rêveur que celui de Vangelis. D'ailleurs les nappes de voix et les orchestrations laissent ici un parfum du musicien Grec. La structure est très riche de ses piles de voix et de sa brume bleutée. Même si elle est toujours en mouvement elle reste dans son enveloppe Électronica ambiant. Des séquences y tintent dans une membrane circulaire, comme une mélodie rythmique jouée sur un xylophone, alors que la ligne de basse fait des ravages magnétisants, ici et comme partout dans cet album à essence Électronica d'Alpha Wave Movement. "Solina Spaceways" est un autre titre qui est très près du répertoire Chill Out de Robert Schroëder. Le rythme est sautillant et enlevant avec, comme décor, des chutes de nappes orchestrales qui tombent comme des rideaux zigzagants de leur parfum Dance Music, accompagnant des arpèges très cristallins qui dessinent une mélodie rompue par le rythme. "Safe Journey" est un beau slow cosmique avec des séquences qui tissent une mélodie circulaire et surtout un tendre synthé qui y pleure comme s'il était imbibé d'un parfum Ondes Martenot.
Malgré une approche qui risque de déboussoler ses fans mais peut aussi en attirer de nouveaux sous de faux prétextes, à moins que
Gregory Kyryluk y prenne goût, “Echoes in the Vacuum” reste un très bon album où le genre Électronica, tout doux mais animé de rythmes entraînants, reste au service de la musique d'Alpha Wave Movement. Tout au long de ses 46 minutes on sent l'empreinte de Gregory Kyryluk sur ces nouveaux rythmes d'AWM. Et ça c'est comme les multiples explorations de Robert Schroëder! Et si c'est bon pour Robert, c'est bon pour Greg! En autant que l'esthétisme et la passion y sont! Et c'est carrément le cas avec ce “Echoes in the Vacuum”. Eh que j'aime ce titre…

Sylvain Lupari (29/10/2017)

vendredi 27 octobre 2017

COLIN RAYMENT: Architects of Orion (2017)

“This is a very good and heavy Berlin School which is very pleasant to discover with its powerful movements load of intensity”
1 Blue Moon Epiphany 10:37
2 View with a Planisphere 10:04
3 Astronomical Twilight of NQ1 4:52
4 Waxing and Waning 5:59
5 Dobsonian Vision 7:00
6 Ephemeris Lullaby 9:39
7 Phase of an Illuminated Cresent 8:30

SynGate CD-r CR03 (CD-r/DDL 56:41)
(Mix of loud England and Berlin Schools)
There is something new in the style of Colin Rayment. The English musician dissociates himself from influences of Tangerine Dream's Blue Years to plunge into a more intense and a more cinematographic style arranged on nice orchestrations of the years Sonic Poem Series. Inspired by the constellation of Orion and its boulevards of stars, Colin Rayment offers in “Architects of Orion” an extremely powerful album where the complexity of some titles always glitters with a little something which hooks us, which seduces. If you like the heavy, sequenced and very melodious kind in a rich vibe of a cosmos more contemporary than vintage, this album won't take time to seduce you. In this album, the music is rather powerful. Heavy, intense and bubbling with a meshing of sequences/percussions, set apart some contemplative odes, with a subtle emotional accentuation which gets you beautiful shivers in ears.
"
Blue Moon Epiphany" sets the tone to this album very rich in tones, and so much in colors of the sounds, with a rather austere approach. In fact, an almost military walking of a sequencer forges this kind of motionless rhythm which makes tap of our fingers and roll of the neck. The wide dimension of the movement allows arpeggios to dance a harmonious ballet there. A movement of graver sequence flickers as a helicopter in mode attack but which has to face the instability of the air, miming a rhythmic accentuation which remains nevertheless still. Synth effects and layers of smoke feed a rather intense decoration and even make drift the structure slightly from its anchor point. If we looked from the ground at the sound ship of "Blue Moon Epiphany" we would notice a machine which fights with nobility against the strengths of the gravity. Ten steady minutes? Not really because the title has to draw reserves from a port of atmospheres before threatening again with its heavy structure which takes a more harmonious bend with arpeggios which sparkle in a deep movement of alternation of the sequencer and in effects which flirt with a juvenile organic-psychedelic approach. It's the kind of title that we devour with a new ear, very starving moreover, at each new listening. And it is the same thing with very powerful "View with a Planisphere" which previously has to face a cosmic dam of elements of ambiences and tones before getting transport on the delicate wings of orchestrations in mode; caress me the backbone. The rhythm emerges a little before the bar of the 4 minutes with a good play of percussions and sequences as much dramatic when in the best moments of electronic rock in Near Dark, of which the powerful finale of Pick Up at High Noon.
"
Astronomical Twilight of NQ1" is an ambient title with a nice layer of voices which hums over a bed of delicate bass pulsations and where synth ornaments whistling fragile embryonic melodies. The introduction of "Waxing and Waning" escapes from these vibes but with a steadier line of bass pulsations and layers of synth of which the voices seem farther than the orchestral effects. Although the structure is ambient, the effects are rich with a clear intensity in the sibylline layers of a synth which makes the right balance between its elements of ambiences and harmonies. Moreover, this skillful mixture between these two elements adds flavor as esoteric as cosmic to “Architects of Orion”. "Dobsonian Vision" surprises our ears with a rather touch of New Age at the opening. A seraphic voice murmurs tenderness and dreams on a structure which waves heavily with its effects as well of jingles of percussions which make very Code Indigo and an ascending movement of sequences which makes very TD of the Atomic Seasons era. A beautiful title. Doubtless the most accessible with the splendid lunar ballad that is "Ephemeris Lullaby". This delicious cosmic drift continues with the opening of "Phase of an Illuminated Cresent" and its layers of morphic voices which murmur as much as float in a fathomless movement which let’s guess an even more raging suite. These layers lead us towards a good structure knotted spasms and of fluttering of a sequencer which likes heaviness and harmonious bends where roam so solitary harmonies. Harmonies which complete their migration towards these apocalyptic strata which were the signature of Vangelis in the ultimate Blade Runner.
Solid from beginning to end, even with this New Age tendency which gets loose from the heaviness and from the filmic intensity of “
Architects of Orion”, this last Colin Rayment's opus possesses all the charms of its ambitions. Several artists tried with reserved successes to describe the atmospheres of Orion, or simply the cosmos, but little have managed to mix so skillfully this fascination built on a justifiable fear and where the astral poetry is marvelously near of an always fathomless universe. Very good and heavy Berlin School very pleasant to discover in its conceptual environment. Available as soon as tomorrow on CD-r and in download at SynGate's Bandcamp platform.

Sylvain Lupari (October 27th, 2017) ****½*
You will find a way to purchase this album on SynGate Bandcamp page
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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Il y a quelque chose de nouveau dans le style de Colin Rayment. Le musicien anglais se distance des influences des Blue Years de Tangerine Dream pour plonger dans le style plus intense et plus cinématographique des années Sonic Poem Series. Inspiré par la constellation d'Orion et de ses boulevards d'étoiles, Colin Rayment offre en “Architects of Orion” un album extrêmement puissant où la complexité de certains titres resplendit toujours d'un petit quelque chose qui accroche, qui séduit. Si vous aimez le genre lourd, séquencé et très mélodieux dans une riche ambiance d'un cosmos plus contemporain que vintage, cet album ne prendra pas de temps pour vous séduire. Dans cet album, la musique est assez lourde. Lourde, intense et bouillonnant d'un maillage séquences/percussions, mis à part les quelques odes contemplatives, avec une subtile accentuation émotionnelle qui vous procure des beaux frissons dans les oreilles.
"Blue Moon Epiphany" donne le ton à cet album très riche en tons, et autant en couleurs des sons, avec une approche plutôt austère. En fait, une marche quasi militaire d'un séquenceur forge ce genre de rythme stationnaire qui fait tapoter des doigts et rouler du cou. La large dimension du mouvement permet à des arpèges d'y danser un ballet harmonique. Un mouvement de séquence plus grave papillonne comme un hélicoptère en mode attaque mais qui doit faire face à l'instabilité de l’air, mimant une accentuation rythmique qui reste pourtant stationnaire. Des effets et des nappes fumigènes alimentent un décor assez intense et font même dériver la structure légèrement de son point d'ancrage. Si on regardait de la terre le navire sonique de "Blue Moon Epiphany" on remarquerait un engin qui lutte avec noblesse contre les forces de la gravité. Dix minutes soutenues? Pas vraiment puisque le titre doit puiser des réserves dans un port d'ambiances avant de menacer à nouveau avec sa structure lourde qui prend un virage plus harmonique avec des arpèges qui scintillent dans un vif mouvement d'alternance du séquenceur et dans des effets qui flirtent avec une juvénile approche psychédélique organique. C'est le genre de titre que l'on dévore avec une nouvelle oreille, très affamée, écoute après écoute. Et c'est la même chose avec le très puissant "View with a Planisphere" qui doit auparavant faire face à un barrage d'éléments d'ambiances et de tonalités cosmique avant de se laisser transporter sur les délicates ailes d'orchestrations en mode; caresse-moi l'épine dorsale. Le rythme émerge un peu avant la barre des 4 minutes avec un jeu de percussions et séquences aussi dramatiques que dans les meilleurs moments de rock électronique dans Near Dark, dont la puissante finale de Pick Up at High Noon.
"Astronomical Twilight of NQ1" est un titre ambiant avec une belle nappe de voix qui fredonne sur un lit de délicates pulsations basses et d'ornements synthétisés sifflotant de fragiles mélodies embryonnaires. L'introduction de "Waxing and Waning" s'échappe de ces ambiances mais avec une ligne de basses pulsations plus soutenue et des nappes de synthé dont les voix semblent plus loin que les effets orchestraux. Bien que la structure soit ambiante, les effets sont riches avec une certaine intensité dans les nappes sibyllines d'un synthé qui fait la juste part des choses entre ses éléments d'ambiances et d'harmonies. D'ailleurs, cet habile mélange entre ces deux éléments ajoute une saveur autant ésotérique que cosmique à “Architects of Orion”. "Dobsonian Vision" surprend nos oreilles avec une touche plutôt New Age en ouverture. Une voix séraphique murmure tendresse et rêve sur une structure qui ondule lourdement avec ses effets et cliquetis de percussions qui font très Code Indigo et un mouvement de séquences ascendant qui fait très TD, période Atomic Seasons. Un beau titre. Sans doute le plus accessible avec la superbe ballade lunaire qu'est "Ephemeris Lullaby". La délicieuse dérivation cosmique se poursuit avec l'ouverture de "Phase of an Illuminated Cresent" et ses nappes de voix morphiques qui murmurent autant que flottent dans un mouvement insondable qui laisse deviner une suite encore plus carabinée. Ces nappes de voix nous amènent vers une bonne structure nouée de spasmes et de papillonnements d'un séquenceur qui affectionne lourdeur et courbes harmoniques où rôdent des harmonies tellement solitaires. Des harmonies qui complètent leur migration vers ces nappes apocalyptiques qui étaient la signature de Vangelis dans l'ultime Blade Runner.
Solide du début à la fin, même avec cette tendance New Age qui se détache de la lourdeur et de l'intensité cinématographique de “Architects of Orion”, ce dernier opus de Colin Rayment possède les charmes de son ambition. Plusieurs artistes ont tenté avec des succès mitigés de décrire les ambiances d'Orion, ou du cosmos tout simplement, mais peu ont réussi à mêler aussi habilement cette fascination construite sur une crainte légitime et où la poésie astrale côtoie à merveille un univers toujours insondable. Un très bon et lourd Berlin School très agréable à découvrir dans son environnement conceptuel. Ça sort demain des usines de SynGate en CD-r et en format téléchargeable.
Sylvain Lupari (27/10/2017)

mercredi 25 octobre 2017

SON OF OHM: Syrinx (2015)

“Syrinx proposes a journey in the 70's with nice structures which mix the Berlin & French Schools with an always pleasant psychedelic vibe”
1 Legend 8:33
2 Syrinx 8:52
3 Crystal 5:06
4 Mount Om 8:05
5 Monkey Mind 7:44
6 Echoes 7:49

Son of Ohm Music (CD-r/DDL 46:11)
(Berlin & French Schools with psychedelic vibes)

Is Astronaut a brief encounter without tomorrows or simply the following of an even more interesting album? The very first album of Son of Ohm, “Syrinx” joins unopposed in this generation of albums appeared too late in the long chessboard of time, but which would have marked a whole generation. Behind a splendid artwork of the psychedelic years, “Syrinx” proposes another journey in the 70's with a superb 46 minutes distributed well on 6 titles.
A series of guitar riffs pierces the shrill effects of a synth which looks for itself between its approach spectral or cosmic. We would believe to hear a more modern
Manuel Göttsching on a psybient never consumed of the vintage years. My ears perceive 2 lines of guitars in this very nice "Legend", of which one weaves a more harmonious rhythmic approach whereas the other one releases discreet solos which roll in loops around sober percussive jingles. This meshing encroaches its minutes with a good undulating structure when the vibes rise of a tone with a good effect of intensity around the 4th minute. If the rhythm shows with elegance its minimalist finery, the synth spreads very good morphic solos and some good effects which feed the thirst of cosmic psychedelism of my ears. The title-track crumbles a movement of the sequencer with keys which make a strange circular dance. Jarrish winds cross this delicate choreography while percussions and graver chords add so much weight to the pace as intensity in the structure. The rhythm progresses with its continuous jolts which are knotted around a meshing of sequences, organic effects and percussions in an approach always minimalist which is supported by pallets of winds and sound colors which are so much in the domain of cosmic Berlin School than of the Space French School of the Space Art and Zanov years, in particular at the level of its dramatic envelope. "Crystal" proposes a structure of ambient rhythm with a circular movement of the sequencer which is coated by multilayers of winds and of effects of a synth always in mode French School.
"
Mount Om" is a good ambient and intense title with large synth layers which land in loops over a shimmering river of sequences moiré. Jean-Michel Jarre's elements sparkle through these banks of melodious layers and cover an approach which adorns itself of some little more organic elements. Percussive effects arise of these gurgling, amplifying even more the wealth of "Mount Om" which little by little goes out of its apathetic lethargy to propose a structure of rhythm gone up on a bed of pulsations, sequences and very scattered percussions. An intense start, for one finale which is just as much! "Monkey Mind" and its rhythmic paradox is the first title which arouses our eardrums at the first listening of “Syrinx”. A nice pattern of lascivious down-tempo undulates whereas some motorik percussions influence a kind of very sluggish beat. The numerous effects form paradoxical lines to the structures of rhythm while a delicate vampiric melody spreads charms and magnetizing effects. The whole thing is well wrapped in a very cosmic soundscape. This one is very good too! Multiple synth effects, Aeolus and his anger as well as percussive effects take out a line of bass sequences of its hiding place in order to shape this bumpy structure of "Echoes". The cosmic landscape floods the passive rhythm of lapidary effects while the synth shows its harmonic side with soloing forms which coo in loops. Grave chords as well as chirpings from a synth which is also a snake charmer reroute the oppressive walking of the rhythm towards a more fluid movement among which the effects and the synth sign the influences of Ashra on the music of Son of Ohm.
Available as much in CD-r (on Neu Harmony) as in downloadable format, “
Syrinx” is an album as interesting, several of you will find it superior because of the homogeneity, than Astronaut which had literally charmed me hardly one week ago. A prelude? Maybe, but not inevitably because both albums propose different approaches, always bound by a psychedelic vision of the tones, which possess their own charms and things which hang on a big smile on our faces. A very beautiful discovery for those who like a Berliner style of the 70's, with a nice touch of France, and these sequenced rhythms which try to drill the mystery of the psychedelism.

Sylvain Lupari (October 25th, 2017) ****¼*
You will find a way to purchase this album on Son of Ohm Bandcamp page here
As well as on manufactured CD on the Neu Harmony label

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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Est-ce que Astronaut est une erreur de parcours ou la suite d'un album encore plus intéressant? Tout premier album de Son of Ohm, “Syrinx” s'inscrit sans opposition dans cette génération d'albums parus trop tard dans le long échiquier du temps, mais qui aurait marqué une génération. Derrière une splendide pochette des années psychédéliques, “Syrinx” propose un voyage dans les années 70 avec un superbe 46 minutes bien réparties sur 6 titres.
Une série de riffs de guitare perce les effets stridents d'un synthé qui se cherche entre son approche spectral ou cosmique. On croirait entendre du
Manuel Göttsching plus moderne sur du psybient jamais consumé des années vintage. Mes oreilles perçoivent 2 lignes de guitares dans ce très beau "Legend", dont une qui tisse une approche plus harmonique rythmique tandis que l’autre libère de discrets solos qui roulent en boucles autour de sobres cliquetis percussifs. Ce maillage émiette ses minutes avec une bonne structure ondulante lorsque les ambiances montent d'un ton avec un bel effet d'intensité autour de la 4ième minute. Si le rythme affiche avec élégance sa parure minimaliste, le synthé étale de beaux solos morphiques et de bons effets qui alimentent la soif du psychédélisme cosmique de mes oreilles. La pièce-titre émiette un mouvement du séquenceur avec des ions qui font une étrange danse circulaire. Des vents Jarriens traversent cette délicate chorégraphie alors que des percussions et des accords plus graves ajoutent autant du poids à la cadence que de l'intensité dans la structure. Le rythme progresse avec ses soubresauts continus qui sont noués autour d'un maillage de séquences, d'effets organiques et des percussions dans une approche toujours minimaliste qui est soutenu par des palettes de vents et de couleurs soniques qui sont autant du domaine de la Berlin School cosmique que de la French School des années Space Art et Zanov, notamment au niveau de son enveloppe dramatique. "Crystal" propose une structure de rythme ambiant avec un mouvement circulaire du séquenceur qui est nappé de multicouches de vents et d'effets d’un synthé toujours en mode French School.
"
Mount Om" est un bon titre ambiant et intense avec de larges nappes de synthé qui débarquent en boucles sur un miroitement de séquences moirées. Des éléments de Jean-Michel Jarre resplendissent à travers ces bancs de nappes chantantes et recouvrent une approche qui se pare d'éléments un peu plus organiques. Des effets percussifs naissent d'entre ces gargouillements, amplifiant encore plus la richesse de "Mount Om" qui peu à peu sort de sa léthargie atone afin de proposer une structure de rythme montée sur un lit de pulsations, de séquences et de percussions très éparses. Un début intense, pour une finale qui l'est d'autant! "Monkey Mind" et son paradoxe rythmique est le premier titre qui attise nos tympans à la première écoute de “Syrinx”.  Une belle figure de down-tempo lascif ondule alors que des percussions motoriques influencent un mode de rythme très mou. Les nombreux effets forment des lignes paradoxales aux structures de rythme alors qu'une délicate mélodie vampirique étend charmes et effets magnétisants. Le tout est bien enveloppé dans un décor sonique très cosmique. Très beau! Des effets, Éole et sa colère ainsi que des effets percussifs sortent une ligne de basse séquences de sa cachette afin de déployer cette structure cahoteuse de "Echoes". Le paysage cosmique inonde le rythme passif d'effets lapidaires alors que le synthé déploie ses harmonies sous formes de solos qui roucoulent en boucles. Des notes graves ainsi qu'un synthé siffleur et charmeur de serpent détournent la marche accablante du rythme vers un mouvement plus fluide dont les effets et le synthé signent les influences d'Ashra sur la musique de Son of Ohm.
Disponible autant en CD-r (sur Neu Harmony) qu'en format téléchargeable, “
Syrinx” est un album aussi intéressant, plusieurs le trouveront supérieur à cause de son homogénéité, que Astronaut qui m'avait littéralement charmé il y a à peine une semaine. Un prélude? Peut-être, mais pas nécessairement puisque les 2 albums proposent des approches différentes, toujours liées par une vision psychédélique des tons, qui possèdent leurs propres charmes et trucs qui accrochent un rayonnement sur nos visages. Une très belle découverte pour ceux qui aiment un style Berliner des années 70, avec une belle touche de France, et ces rythmes séquencés qui tentent de percer le mystère du psychédélisme.
Sylvain Lupari (25/10/2017)

mardi 24 octobre 2017

SON OF OHM: Astronaut (2017)

“If you are into a true psychedelic ambient vibe of the vintage years, this one's for you!”
1 The Brain Connection 7:49
2 Floating 11:25
3 Intermission 8:35
4 Time Machine 7:49
5 Spaceman 10:23
6 Hypnosis 13:48

Son of Ohm Music (DDL 59:52)
(Psychedelic ambient and Space Rock)

It's following the reviews I wrote about Sula Bassana music that I was put in contact with Son of Ohm. According to the information which was given to me, “Astronaut”, 2nd opus of Son of Ohm would meet these criteria of seduction which had transported me during my listening and my chronicles of the albums The Ape Regards His Tail and Organ Accumulator / Disappear. But first of all, who is Son of Ohm? It's a Dutch musician, Holland became a real arboretum of artists propelled by the Kosmik Musik or the Berlin School styles, who is very active on the musical scene since the end of the 90's. Very attracted by a psychedelic approach, Leonardo Wijma is inspired by a whole range of artists who go from Ash Ra Temple to Led Zeppelin by way of Gong (Steve Hillage) and Hawkwind, without forgetting timeless ones like The Beatles, Bowie, Zappa, Tangerine Dream and Klaus Schulze to name only those. And it's under various names (Leonardo Soundweaver, Astral Son and Son of Ohm) that the musician of Groningen gathers a public as much diversified as his styles which go from cosmic music to psychedelic music, Krautrock and a more experimental kind as well as the minimalist sequenced model of Ashra. In brief, a pallet of styles that we can meet in one of his albums, like this one. A chord of a grave tone spreads its fathomless shadow at the same time as a stroboscopic wave spins in order to weave the floating rhythm and gently jerky of "The Brain Connection". Subtly, the dark malaisante shadow is transformed into an abstruse melody which is bombarded by a sequencer and its minimalist mode into a cosmic decoration of the vintage years, while a line of bass pulsations crumbles some splendid percussive effects. Little by little, the rhythmic skeleton scatters its resources to isolate only a crystal clear sequence which skips shyly in a soundscape closer of oblivion with layers of lugubrious organs which transform their platonic tunes into a line a little more acute. There are enough elements of seduction in this title to push a little farther my discovery of Son of Ohm's universe. You should not trust the title of "Floating" to judge of its contents. Far from being floating, the title approaches our ears with extraterrestrial organic effects which grasps a good structure which is livened up by a Krautrock approach of the good years of Ash Ra Tempel. Two lines of rhythm contiguous give a rhythmic life while separating their approaches among which one which aims to be more harmonious while the other line is a bass one which is more in mode minimalist beat. Layers, keyboard riffs and effects add a Space Rock dimension to this track which espouses a bit the finale of "The Brain Connection". To my ears, the slow and very hypnotic rhythm of "Intermission" is the small jewel of “Astronaut”. Very close of Richard Pinhas' territories in his Iceland to L'Ethique era, the rhythm is forged in a meshing of sequence moiré which sparkle and skip in a structure crawling and speckled of splendid nuances in its progression. The melody, weaved in the harmonies of a synth in mode nostalgia, is as much mesmerizing as its rhythmic skeleton and its soundscape as well as the percussive effects which will blow your ears away. Splendid!
In its rhythmic structure, just as much minimalist and charmingly reminiscent of Ash Ra Tempel's vintages years, "Time Machine" is not outdone with its rhythmic structure charmingly raised on a movement of guitar loops a la Manuel Göttsching which roll and wave in a fascinating esoteric landscape with juicy percussive effects which are absolutely attractive. But "Intermission" throws at it too much shadow. That's says quite a lot about the depth and the wealth of this title. Also well settled on loops of sequences and oscillating waves which structure an ambient rhythmic approach, "Spaceman" brings us to a degree of tension which had been contained up to here in the first 4 tracks of “Astronaut”. It's chords from a dark keyboard which throw this aura while layers and surrounding noises satiate our listening by a touch of psychedelism set up in a shape of sound psychosis. Intense and icy, "Spaceman" reflects particularly well the idea behind its title! "Hypnosis" is a purely an ambient title. Modulations of waves push effects of jerk which float with alternate impulses in a dense veil weaved in fruits of the vapors from some soft drugs. This is a superb and a true vintage psybient!
As first contact, I have adored the music of “Astronaut” which is a very interesting album in a modern society which too often forgets its past. The music is nostalgic but is never outmoded by the new technologies which facilitate now the art to create electronic music. Manuel Göttsching's influences and this Space Rock a la Ash Ra Tempel are well felt here but they are never an obstacle to the creativity of Son of Ohm. I look forward to discovering Syrinx now!

Sylvain Lupari (October 24th, 2017) *****
You will find a way to purchase this album on Son of Ohm Bandcamp page here
As well as on manufactured CD on the Neu Harmony label

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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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C'est suite à mes chroniques sur Sula Bassana que j'ai été mis en contact avec Son of Ohm. Selon les informations que l'on me vantait, la musique de “Astronaut”, 2ième opus de Son of Ohm, rencontrerait ces critères de séduction qui m'avait transporté lors de mes écoutes et mes chroniques des albums The Ape Regards His Tail et Organ Accumulator / Disappear. Mais tout d'abord, qui est Son of Ohm? Il s'agit du musicien Hollandais, la Hollande est devenue une véritable pépinière d'artistes propulsés par le style Kosmik Musik ou la Berlin School, qui est très actif sur la scène musicale depuis la fin des années 90. Très attiré par une approche psychédélique, Leonardo Wijma est inspiré par toute une gamme d'artistes qui vont d'Ash Ra Temple à Led Zeppelin en passant par Gong (Steve Hillage) et Hawkwind, sans oublier les intemporels Beatles, Bowie, Zappa, Tangerine Dream et Klaus Schulze pour ne nommer que ceux-là. Et c'est sous différents noms (Leonardo Soundweaver, Astral Son et Son of Ohm) que le musicien de Groningue amasse un public aussi diversifié que ses styles qui vont de la musique cosmique à la musique psychédélique, le Krautrock et un genre plus expérimental ainsi que le modèle séquencé minimaliste à la Ashra. Bref, une palette de styles que l'on peut croiser dans un de ses albums, comme celui-ci.
Une note d'une tonalité grave étend son ombre insondable en même temps qu'une onde stroboscopique virevolte afin de tisser le rythme flottant et mollement saccadé de "The Brain Connection". Subtilement, l'obscure ombre malaisante se transforme en mélodie abstruse qui est pilonnée par un séquenceur en mode minimaliste dans un décor cosmique des années vintage, alors qu'une basse ligne de pulsations émiettent de superbe effets percussifs. Peu à peu, l'ossature rythmique disperse ses ressources afin d'isoler seulement une séquence limpide qui sautille timidement dans un décor sonique plus près du néant avec des nappes d'orgues lugubres qui transforment leurs chants platoniques en une ligne un peu plus acuité. Il y a assez d'éléments de séduction dans ce titre pour pousser un peu plus loin ma découverte de l'univers de Son of Ohm. Il ne faut pas se fier au titre de "Floating" pour juger son contenu. Loin d'être flottant, le titre aborde nos oreilles avec des effets organiques d'extra-terrestre qui s'agrippe à une belle structure animée d'une approche Krautrock des belles années d'Ash Ra Tempel. Deux lignes de rythme contigües donnent une vie rythmique tout en dissociant leurs approches dont une qui se veut plus harmonique alors que la ligne de basse reste plus en mode rythme minimaliste. Des nappes, des riffs de clavier et des effets ajoutent une dimension Space Rock à ce titre qui épouse un peu la finale de "The Brain Connection". À mes oreilles, le rythme lent et très hypnotique de "Intermission" est le petit joyau de “Astronaut”. Très près des territoires de Richard Pinhas dans sa période Iceland à L'Ethique, le rythme est forgé dans un maillage de séquences moirées qui scintillent et sautillent dans une structure rampante et tachetée de superbes nuances dans sa progression. La mélodie, tissée dans les harmonies d'un synthé en mode nostalgie, est aussi envoûtante que son ossature rythmique et son décor sonique ainsi que des effets percussifs qui nous en mettent plein les oreilles. Superbe!
Dans sa structure rythmique tout autant minimaliste et délicieusement réminiscente des années vintages du genre Ash ra Tempel, "Time Machine" n'est pas en reste avec sa structure rythmique délicieusement montée sur un mouvement de boucles de guitares à la Manuel Göttsching qui roulent et ondulent dans un fascinant décor ésotérique avec de savoureux effets percussifs qui sont tout à fait séduisants. Mais "Intermission" lui jette trop d'ombre. C'est vous dire toute la profondeur et la richesse de ce titre. Bien installé aussi sur des boucles de séquences et d'ondes oscillatrices qui structurent une approche rythmique ambiante, "Spaceman" nous amène à un degré de tension qui avait jusqu'ici été contenu dans les 4 premiers titres de “Astronaut”. Ce sont des accords d'un clavier ténébreux qui jettent cette aura alors que les nappes et les bruits environnants abreuvent notre écoute d'une touche de psychédélisme érigée dans une forme de psychose sonique. Intense et glacial, "Spaceman" reflète particulièrement bien l'idée derrière son titre! "Hypnosis" est un titre purement ambiant. Des modulations d'ondes poussent des effets de saccade qui flottent avec des élans alternatifs dans un dense voile cosmique tissé dans les fruits des vapeurs de drogues douces. Du bon psybient très vintage!
Comme premier contact, j'ai adoré la musique de “Astronaut” qui est un album très intéressant dans une société moderne qui trop souvent oublie son passé. La musique est nostalgique mais pas dépassé par les nouvelles technologies qui facilitent l'art de créer de la musique électronique. Les influences de Manuel Göttsching et du Space Rock à la Ash Ra Tempel sont bien senties mais laissent aussi beaucoup de place à la créativité de Son of Ohm. J'ai hâte de découvrir Syrinx!
Sylvain Lupari (24/10/2017)

dimanche 22 octobre 2017

MICHAEL BRÜCKNER: Trees of Olivandá (2017)

“A very poetic artwork and a very lyrical ode, Trees of Olivandá is at the height of both qualities. A splendid Neo Berlin School style album and the best of Mister Brückner
1 Queen of the Southern Cross 9:36
2 Into the Birdlands 4:07
3 The Fountain, the Child and the Sun 5:59
4 Outcast 10:04
5 Under the Trees of Olivandá 21:44
6 Sunflower Girl 5:35
7 Escape to the Outer Moons 18:55

SynGate | CD-r MB05 (CD-r/DDL 76:02)
(New Berlin School, Prog EM)
In the course of his association with the German label SynGate, Michael Brückner accustomed us to small jewels well mislaid in a mountain of independent productions, albums in duo, reeditions as well as some projects on the grill here and there. With a reedition enriched by some new titles, All the Pieces Fit Forever, his collaboration with Wolfgang Barkowski for the time of the superb The Dark Path and this “Trees of Olivandá”, 2017 is a year which seems as quiet as in 2012. Proposed in a wonderful artwork drawn by the surrealist painter of the Web, Andreas Schwietzke, “Trees of Olivandá” shows once again all the talent of sound sculptor of Michael Brückner and his capacity to jump with elegance from a style to the another one. A very beautiful album by an artist who never stop to amaze me since SynGate has published 100 Hundred Million Miles Under the Stars in 2012.
Celestial clarions, which make very
Vangelis, open the first moments, rather melancholic, of "Queen of the Southern Cross". Two movements of rhythm wake up after the 120 seconds of this astral brass band, bringing in their trail a swarm of sonic stars and their sparkling chants. The first one is a line of bass which snores, crawls and even murmurs while the other one is a collage of electronic chirpings which roll in loops with a sensation to hear a series of riffs. Both rhythmic entities stay in the crossroads of motionless movements, showing a latent velocity which derives by moment towards more ambient spaces under the very good solos sculptured of tortillons by Michael Brückner's agile fingers. Although relatively short, "Into the Birdlands" proposes a bed of oscillations which again rolls in loops and of which the tones vary as much as the bend of a structure of always stationary rhythm. The variations in the tones as well as the pond of electronic effects in this so short lapse of time is rather effective. Why wasting minutes in the meter? Especially that the effects derive towards the very beautiful "The Fountain, the Child and the Sun" which is a very nice e-ballad of the Jarre style which pierces a thick veil of effects before landing between our ears. This "The Fountain, the Child and the Sun" is the proof that a very melodious imagination at the service of boldness and of the unusual often gives results more than very seducing. At this level, Michael Brückner excels. Even if strongly prisoner of a structure without dominant movements, "Outcast" succeeds in seducing by the quality of its sound effects and this ingenuity to inter change the roles between floating rhythm and magnetizing melody. We always have this sensation to drift in the meanders of 100 Hundred Million Miles Under the Stars with this collection of cosmic effects which wraps the structures of this last effort from the German synthesist. It's in this zone that the opening of "Outcast" evolves.
A gravitational movement of sequences draws a crawling structure which unwinds its charms in a universe which sends back the definitions of sound aestheticism towards a complete revision. The movement swirls in a zone filled of carillons which make twinkling their fragility in the turbulence of a circular movement of the sequencer and its small spasmodic jolts. And in this approach which fools totally the hearing, the movement of sequences switches into a delicious piano which loosens a fascinating bewitching melody. Then "
Outcast" finds refuge in the stroboscopic march of the sequencer and a delicious ambient phase. The cosmic decoration of the very long title-track is even more appealing. Synth loops without destination roam on a slightly mesmerizing structure of rhythm which is sculpted according to the rules of the Chill-out style. Diverse elements hang onto the electronic percussions and to the sequences which flicker lazily among the caresses of very good Michael Brückner's solos. Our state of hypnosis will be revived by more solid percussions, after a light ambient passage at about the 10th minute. The 2nd phase of "Trees of Olivandá" seeks for its anchoring point between more livened up passages and other ones more ambient. But always, and here more than anywhere on this album, Michael Brückner's synth solos are small jewels for ears. After an introduction weaved in the astral nebulosity, "Sunflower Girl" evolves quietly with a circular movement of the sequencer. Another line of rhythm, decorated of moiré sequences, emerges to grasp the percussions and to a structure which flirts now with a nice Electronica vibe, if not a honeyed IDM. But no matter the genre, we forget the whole thing as soon as fat and dramatic arpeggios, borrowed from Jean Michel Jarre's repertoire, in the opening of "Escape to the Outer Moons" announces the end of this other brilliant album from Michael Brückner. This introduction where the oceans flirt with the growls of a black sky lasts a nice 3 minutes before that "Escape to the Outer Moons" explodes between our ears with a crossing of techno and Berlin School. The sequences are lively and burst at full speed under the spasmodic pulsations of a starving bass line. Once again, the Berlin synth wizard excels at the art of diversion by creating rhythms of lead which rage beneath a harmonious sky totally in contrast with its childish melodies which charm as much as amaze. Again here, the effects flood the decoration while Michael Brückner aims to be more incisive with percussions which now support the fury of the sequencer and synth solos which replace the fragility of the melodies with twisted and more sharp aerial chants. The rhythm gets out of breath and pushes slowly "Escape to the Outer Moons" in a more techno mode, still showing all this flair of Michael Brückner to make his transitions which always astonish a few seconds farther.
Pushing even farther the limits of the sound perfection,
SynGate offers this splendid album in 24 Bit / 44.1 kHz. The CD-r is sold with the usual format of 16 Bit. Did my ears hear a difference? I have only noticed the excellence of this album, as long at the level of its sound envelope, of its superb artwork and of Michael Brückner's musical ideas who dedicates this album to his good friend Olaf Lux. Olaf, I don't know what you made to our friend Michael, but you gave him those emotions to offer the best of himself with this diamond which is “Trees of Olivandá”.

Sylvain Lupari (October 22nd, 2017) ****½*
You will find a way to purchase this album on SynGate Bandcamp page
here
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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Au fil de son association avec le label Allemand SynGate, Michael Brückner nous a habitué à des petits bijoux bien égarés dans une montagne de productions indépendantes, des albums en duo, des rééditions ainsi que quelques projets en marche à gauche et à droite. Avec une réédition enrichie de nouveautés, All the Pieces Fit Forever, son association avec Wolfgang Barkowski pour le temps du splendide The Dark Path et ce “Trees of Olivandá”, 2017 est une année qui semble aussi tranquille que 2012. Proposé dans une superbe jaquette dessinée par le peintre surréaliste du Web, Andreas Schwietzke, “Trees of Olivandá” démontre encore une fois tout le talent de sculpteur sonique de Michael Brückner et sa capacité de sauter avec élégance d'un style à l'autre. Un très bel album par un artiste qui ne cesse de m'étonner depuis que SynGate a publié One Hundred Million Miles Under the Stars en 2012.
Des clairons célestes, qui font très Vangelis, ouvrent les premiers instants, assez mélancoliques, de "Queen of the Southern Cross". Deux mouvements de rythme s'éveillent après les 120 secondes de cette fanfare astrale, amenant dans leur sillage une nuée d'étoiles soniques et leurs chants scintillant. La première est une ligne de basse qui ronfle, rampe et même murmure alors que l'autre est un collage de pépiements électroniques qui coulent en boucle avec une sensation d'entendre une série de riffs. Les deux entités rythmiques restent au carrefour des mouvements stationnaires, affichant une vélocité latente qui dérive par instant vers des espaces plus ambiants sous les très bons solos sculptés de tortilles par les doigts agiles de Michael Brückner. Bien que relativement court, "Into the Birdlands" propose un lit d'oscillations qui roulent en boucles et dont les tonalités varient autant que la courbe d'une structure de rythme toujours stationnaire. Les variations dans les tonalités ainsi que le bassin d'effets électroniques dans un si court laps de temps est assez efficace. Pourquoi gaspiller des minutes au compteur? Surtout que les effets dérivent vers le très beau "The Fountain, the Child and the Sun" qui est une belle ballade du style Jarre qui perce un dense voile d'effets avant d'atterrir entre nos oreilles. Ce "The Fountain, the Child and the Sun" est la preuve qu'une imagination très mélodieuse au service de l'audace et de l'inhabituel donne souvent des résultats plus que très séduisants. À ce niveau, Michael Brückner excelle. Même si fortement prisonnier d'une structure sans mouvements prédominants, "Outcast" parvient à séduire par la qualité de ses effets sonores et cette ingéniosité à inter changer les rôles entre rythme flottant et mélodie magnétisante. Nous avons toujours cette sensation de dériver dans les méandres de One Hundred Million Miles Under the Stars avec cette collection d'effets cosmiques qui enveloppe les structures de ce dernier effort du synthésiste Allemand. C'est dans cette zone que l'ouverture de "Outcast" gravite.
Un mouvement de séquences gravitationnel dessine une structure rampante qui déroule ses charmes dans un univers qui renvoie les définitions d'esthétisme sonique vers une révision complète. Le mouvement tournoie dans une zone bourrée de carillons qui font tinter leur fragilité dans la turbulence d'un mouvement circulaire du séquenceur et de ses petites saccades spasmodiques.  Et dans cette approche qui déjoue totalement l'ouïe, le mouvement de séquences permute en un délicieux piano qui délie une fascinante mélodie ensorcelante. Par la suite "Outcast" trouve refuge dans une marche stroboscopique du séquenceur et une savoureuse phase ambiante. Le décor cosmique de la très longue pièce-titre est encore plus séduisant. Des boucles de synthé sans destination errent sur une structure de rythme légèrement envoutante sculpté selon le genre Chill. Divers éléments s'accrochent aux percussions électroniques et aux séquences qui papillonnent paresseusement dans les caresses de bons solos de Michael Brückner. Notre état d'hypnose sera ravivé par des percussions plus solides, après un léger passage très ambiant vers la 10ième minute. La 2ième phase de "Trees of Olivandá" cherche ses repères entre des passages plus animés et d'autres plus ambiant. Mais toujours, et ici plus qu'ailleurs, les solos de Michael Brückner sont de petits bijoux pour les oreilles. Après une introduction tissée dans les nébulosités astrales, "Sunflower Girl" évolue tranquillement avec un mouvement circulaire du séquenceur. Une autre ligne de rythme ornée de séquences moirées émerge pour s'agripper à des percussions et à une structure qui flirte avec un bel Électronica, sinon une mielleuse IDM. Mais peu importe le genre, on oublie le tout dès que les arpèges gras et dramatiques, empruntés au répertoire de Jean Michel Jarre, de l'ouverture de "Escape to the Outer Moons" annonce la fin de cet autre brillant album de Michael Brückner. Cette introduction où les océans flirtent avec les grognements d'un ciel noir dure un beau 3 minutes avant que "Escape to the Outer Moons" explose entre nos oreilles avec un croisement de techno et de Berlin School. Les séquences sont vives et déboulent à vitesse grand V sous les pulsations spasmodiques d'une ligne de basse affamée. Encore une fois, le synthésiste berlinois excelle dans l'art de la diversion en créant des rythmes de plomb qui font rage sous un ciel harmonique totalement à l'opposé avec ses mélodies juvéniles qui charment autant qu'étonnent. Les effets inondent le décor alors que Michael Brückner se veut plus incisif avec des percussions qui maintenant soutiennent la rage du séquenceur et des solos de synthés qui remplacent la fragilité des mélodies avec des chants torsadés plus acuités. Le rythme s'essouffle et pousse doucement "Escape to the Outer Moons" en mode plus techno, démontrant encore toute cette habileté de Michael Brückner pour faire ses transitions qui étonnent toujours quelques secondes plus loin.
Poussant encore plus loin les limites de la perfection sonore, SynGate offre ce splendide album en 24 Bit/44.1 kHz. Le CD-r est vendu avec le format habituel de 16 Bit. Est-ce que mes oreilles ont entendues une différence? J'ai juste remarqué l'excellence de cet album, tant au niveau de son enveloppe sonore, que de sa pochette et des idées musicales de Michael Brückner qui dédie cet album à son bon ami Olaf Lux. Olaf je ne sais pas ce que tu as fait à notre ami Michael, mais tu lui as donné le goût d'offrir le meilleur de lui-même avec ce brillant “Trees of Olivandá”!
Sylvain Lupari (21/10/2017)

jeudi 19 octobre 2017

WOLFGANG NACHAHMER: Hexenkessel (2017)

“Hexenkessel is another special guest from SynGate which will be revealed on E-Live 2017. All I know is that it's a great vintage psychedelic Berlin School which unites the many faces of the 70's”
1 Der Garten der Träume 17:51
2 Vorwärme 4:39
3 Hexenkessel 15:39
4 Auf das neue Land 9:41
5 Schoß der Götter 8:03

SynGate CD-r WA01 (CD-r/DDL 55:53) ****
(Berlin School with psychedelic vibes)
In April 2014, SynGate had fun testing the knowledge of the hard and pure fans of the Berlin School genre by launching an album, Aus dem Nichts, conceived by a well-known artist and whose works were recognized by his colleagues and who has signed a mysterious album under the acronym of M.O.B.S. (Man Of Berlin School). About 30 months later, the German label reattempts the experiment with this album from a certain Wolfgang Nachahmer; a pen name this time for an artist well established on the international scene since decades. The press info gives us 2 indications: this artist wanted to make a solo album which would accentuate its affinities with the Berlin School genre. Thus, he is part of a band which does something else than EM. The pallet is wide and we can rule out Detlef Keller because he was the man behind M.O.B.S.! After some listening, the music of “Hexenkessel” dips actually into the Berlin School style, but a Berlin School which marinates in a more psychedelic approach with a beautiful use of synths and Mellotron. But no matter the identity, I find the idea of the thinkers at SynGate as much attractive as also very interesting.
A bed of reverberations, dosed well by fine modulations, and tears of synth which flow with the fluidity of beautiful ethereal solos; "Der Garten der Träume" puts at once my ears in these years where the solos of synth used to make the charms of an EM more drifting than rhythmic. The synth solos stream with the nobility of the art by sticking to it some nice fluty melodies. These solos dance and twist themselves with a duality in tones, while that quite slowly is drumming a structure of sequences in the kind of Picture Music from Klaus Schulze. In spite of the presence of these sequences and of some moments of intensity, "Der Garten der Träume" stays anchored well in its position of astral drifting. Banks of mist awakes an intensity which finds a partner in the vibrations of these sequences. While the solos undulate beneath the metallic jingles of percussive effects, the music seeks for a new partner with cosmic effects which lead "Der Garten der Träume" towards a finale more in ambiospherical mode. "Vorwärme" proposes a short phase of ambient music with all these cosmic effects of the 70's as well as murmurs and sighs of synth and Mellotron which win more in swiftness, as the music reaches its last seconds of cosmic drift.
A beautiful chant of Mellotron awakens the sequences of the Tangerine Dream style which will light the passion of the title-track. Well settled in its decoration of electronic effects, the structure of "Hexenkessel" goes up and down with the same ingenuity of the analog rhythms of the vintage years. At this level, the title is a real tribute to Tangerine Dream of the Phaedra years with good Mellotron and perfumes of guitar which is roaming in the background. Sometimes violent, sometimes misty and often unpredictable the music adopts the diverse gradations of the electronic hymns of that time. The sequencing pattern here is splendid and forges a structure in continual movement, even if the nuances abound in its rhythmic progression. After a good 8 minutes of big electronic rhythm, "Hexenkessel" finds refuge in a foggier zone with the somber harmonies of a very good Mellotron and odd percussive effects (that sounds like an old vinyl to often played and which has trouble with the ambient passages). This is highly addictive! "Auf das neue Land" brings us to another level of psychedelic music with manual percussions which drum around a campfire. Friends surround the percussionist, apparently stoned, and play the acoustic guitars and flutes. Other friends, just as much stoned, hum layers of faded voices while an ingenious among the gang plays synths without electricity. The whole thing gives a very lively acoustic music which spreads its charms under the concerto of stars and dusts of stars. One would say Pink Floyd, period Atom Heart Mother. After a short introduction of ambiences decimated by a fauna of colorful sound effects, "Schoß der Götter" burst with a movement of limp from the sequencer which loses the rhythmic guides in a line of quick and tenacious oscillations. The variations of sinusoidal waves draw a steady race which doesn't feel the need to breathe, the oxygen being assumed by the acrobatic solos of a synth in mode psychedelic gas. It's a good vintage rhythm with a beautiful correlation between the various layers of synth with tones always so ill-assorted. The storm of the oscillations subsides in a finale of soft perfumes of transcendental rest unique to the esoteric ideology of the LSD years. A real return in time my friends! Hey that I look forward for Saturday October 21st 2017.

Sylvain Lupari (October 19th, 2017)
synth&sequences.com
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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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En Avril 2014, SynGate s'amusait à tester les connaissances des fans purs et durs du genre Berlin School en lançant un album, Aus dem Nichts, conçu par un artiste reconnu mondialement et qui signait l'album sous l'acronyme M.O.B.S. (Man Of Berlin School). Quelque 30 mois plus tard, le label Allemand retente l'expérience avec cet album de Wolfgang Nachahmer; un pseudonyme cette fois-ci pour un artiste toujours bien établi à l'international depuis des décennies. La revue de presse nous donne 2 indices: cet artiste voulait faire un album en solo qui mettrait en relief ses affinités avec le genre Berlin School. Donc, il fait partie d'un groupe bien établi qui fait autre chose que de la MÉ du style Berliner. La palette est large et on peut écarter Detlef Keller puisqu'il était l'homme derrière M.O.B.S.! Après quelques écoutes, la musique de “Hexenkessel” trempe effectivement dans le genre Berlin School, mais un Berlin School qui marine dans une approche plus psychédélique avec une belle utilisation des synthés et du Mellotron. Mais peu importe l'identité, je trouve l'idée des penseurs chez SynGate aussi séduisante que très intéressante.
Un lit de réverbérations, bien dosées par de fines modulations, et des larmes de synthé qui coulent avec la fluidité de beaux solos éthérés; "Der Garten der Träume" place tout de suite mes oreilles dans ces années où les solos de synthé faisaient les charmes d'une MÉ plus planante que rythmique. Les solos de synthés affluent avec la noblesse de l'art en se collant à des mélodies flûtées. Ces solos dansent et se tordent avec une dualité dans les tons alors que tout doucement tambourine une structure de séquences dans le genre Picture Music de Klaus Schulze. Malgré la présence de ces séquences et des quelques moments d'intensité, "Der Garten der Träume" reste bien ancré dans sa position de dérivation astrale. Des bancs de brume allument une intensité qui trouve un partenaire dans les trépidations de ces séquences. Alors que les solos ondulent sous les cliquetis métalliques des effets percussifs, la musique cherche un nouveau partenaire avec des effets cosmiques qui amènent "Der Garten der Träume" vers une finale plus en mode ambiosphérique. "Vorwärme" propose une courte phase en mode musique ambiante avec tous ces effets cosmiques des années 70 et des murmures et soupirs de synthé et Mellotron qui gagnent plus en vélocité à mesure que la musique atteint ses dernières secondes de dérivation cosmique.
Un beau chant de Mellotron éveille les séquences du style Tangerine Dream qui allumeront la passion de la pièce-titre. Bien installé dans son décor d'effets électroniques, la structure de "Hexenkessel" monte et descend avec la même ingéniosité des rythmes analogues des années vintages. À ce niveau, le titre est un véritable hommage au Tangerine Dream des années Phaedra avec du bon Mellotron et des parfums de guitare qui traînent dans le décor. Tantôt violente, parfois nébuleuse et souvent imprévisible la musique épouse les diverses gradations des hymnes électroniques de l'époque. Le jeu du séquenceur ici est splendide et forge une structure en continuel mouvement, même si les nuances abondent dans son déroulement rythmique. Après un bon 8 minutes de grand rythme électronique, "Hexenkessel" se réfugie dans une zone plus brumeuse avec les sombres harmonies d'un très bon Mellotron et d'étranges effets percussifs (on dirait un vinyle qui supporte très mal les passages ambiant). "Auf das neue Land" nous amène vers un autre niveau de musique psychédélique avec des percussions manuelles qui tambourinent autour d'un feu de camp. Des amis entourent le percussionniste, visiblement inspiré par une matière douteuse, et jouent de la guitare acoustique et des flûtes. D'autres amis, tout aussi bien gelés, fredonnent des nappes de voix éteintes alors qu'un ingénieux parmi la gang joue des synthés sans électricité. Le tout donne une musique acoustique bien vivante qui étend ses charmes sous le chant des étoiles et des poussières d'étoiles. On dirait du Pink Floyd, période Atom Heart Mother. Après une courte introduction d'ambiances décimées par une faune d'effets sonores bigarrés, "Schoß der Götter" éclate avec un mouvement de clopinement du séquenceur qui perd les guides rythmiques dans un filon d'oscillations vives et tenaces. Les variations d'ondes sinusoïdales dessinent une course soutenue qui ne sent pas le besoin de respirer, l'oxygène étant assumé par les solos acrobatiques d'un synthé en mode gaz psychédélique. C'est du bon rythme vintage avec une belle corrélation entre les différentes couches de synthé aux tonalités toujours aussi disparates. La tempête des oscillations s'affaisse dans une finale aux doux parfums de repos transcendantal unique à l'idéologie ésotérique des années LSD. Un vrai retour dans le temps mes amis! Eh que j'ai hâte à samedi le 21 Octobre 2017.

Sylvain Lupari (19/10/2017)